Hablar en este nuevo año del noveno trabajo discográfico de Lenny Kravitz queda un poco demodé, básicamente porque fue lanzado en Agosto del pasado ejercicio. “Black and white America” (Warner Music, 2011) se erige sobre dieciséis cortes de Funk-Rock bastante interesantes escalando la siempre complicada cima del positivismo, discurso demasiado usado en la actualidad ante un cataclismo neuronal que junto con el panorama socioeconómico ha terminado por mermar las ganas incluso de inmolarse.

¿Realmente es tan crucial que las canciones contengan un mensaje positivo? En el caso del protagonista de este texto parece ser que sí… aunque matizando. “No es algo que yo necesite o que tenga que ser así, pero, sencillamente las canciones son positivas. Es lo que me han transmitido y ciertamente me siento bien transmitiendo ese mensaje. Mi ser se siente bien siendo positivo y optimista, es algo natural en mí”. Referente a este dato pueden funcionar las reglas mnemotécnicas entre la portada del LP con las letras de canciones como ‘Stand’, ‘Boongie drop’, ‘Super Love’ o ‘The faith of a child’, especialmente esta última. “‘Faith of a child’ trata de cómo algunas veces (demasiadas) necesitamos recuperar nuestros valores infantiles, ya sean la magia, la fe, el amor… Cuando somos adultos nos cargamos de muchísimas cosas, vamos con demasiado equipaje, pasamos por experiencias que pueden dañar nuestros deseos innatos, los cuales consisten en amar y ser amados, tener fe y creer en las cosas. La canción habla expresamente de cómo es tener la fe de un niño y serlo. Podemos hacer muchas cosas, podemos amar, podemos estar en paz, podemos tener muchas cosas en nuestra vida, pero solo podremos alcanzarlas si tenemos la fe de un niño”. Explicando además el significado de “Black and white America”. “El título de este disco es algo que refleja perfectamente mi vida; quién soy, cómo crecí, lo que vi y la situación de mis padres, que eran una pareja interracial a principios de los sesenta. También tiene que ver con quienes somos en la actualidad”.

Eso referente al título, pero también tiene su explicación el tema que se titula de igual manera. “La canción está inspirada en un documental que vi, donde aparece un grupo de americanos anclados en sus viejas creencias y en lo que aprendieron. No estaban de acuerdo con el rumbo que había tomado América y porque obviamente no querían tener un presidente afroamericano. Esa gente estaba llena de odio. Llegaban incluso a decir que iban a intentar que ese presidente no viviera mucho tiempo, que iban a tratar de que alguien se ocupara de él y que incluso había planes para ello… ya sabes, ese tipo de cosas”. Concluyendo que “lo que de alguna manera fue un shock para mí, siendo una persona que no piensa en términos de raza, es que haya gente que todavía funcione de esa manera. Yo conozco gente que piensa así, pero escucharlo de esa manera, en la televisión, en ese documental… de alguna forma me bloqueó durante un momento y me hizo pensar. El estribillo de ‘Black and white America’ es una respuesta a ese documental. Las estrofas hablan, una de Martin Luther King y de su misión y su razón de ser, y otra de mis padres y de todo por lo que pasaron”.

Dejando claro esa característica, Kravitz añade: “Mi sensibilidad está por todas partes. Creo que todo empieza por la voz. Si te das cuenta toco todos los instrumentos en un tema, o en la mayoría, así que mi personalidad estará ahí al completo. En realidad se trata de ser yo mismo. La razón por la que uso mucho ese tipo de equipos antiguos no es solo porque que sea genial y romántico utilizarlo, sino por su amplitud y su organicidad. Creo que es muy importante escuchar cómo se transmite la personalidad de los músicos a través de los instrumentos porque el día que escuchas un disco, que es un disco de estudio, y no de un grupo sino de un artista en solitario, puedes escuchar ese disco y escuchar los instrumentos para saber en todo momento que se toca y quien lo toca”.

Mucha culpa de esa personalidad de la que se habla la tiene el estudio que el propio creador tiene en Las Bahamas. “El estudio de grabación se terminó justo antes de empezar este álbum, así que se cumplen dos años. Es el estudio de mis sueños. Lo diseñé exactamente como quería. En realidad se parece mucho a un estudio californiano, digamos, de los años setenta, en cuanto a los materiales y el equipo. Hay mucha madera, corcho y piedra. Hay una gran selección de equipos antiguos: los micrófonos, la consola, los previos, los ecualizadores, una gran colección de guitarras, amplificadores y sintetizadores, teclados y batería. Y el sitio tiene un sonido realmente precioso, así que grabar allí es algo muy fácil”. Pese a que se grabó entre Las Bahamas y París. “Lo que hace especial a Las Bahamas es que la familia de mi madre procede de allí. Me eduqué en ese sitio en distintos momentos, cuando era niño. Digamos que iba y venía. Es un lugar donde me siento de verdad muy cómodo. Vivo en una isla pequeña, en una ciudad pequeña, con poca gente, y se me considera alguien de allí, cosa que agradezco por otro lado. Es muy saludable contar con un lugar donde la gente no proyecta determinadas imágenes sobre uno mismo, imágenes que parten del hecho de que eres famoso y todo eso. Es como estar en casa”.

¿Y cual es el papel que ocupa “la Ville lumière”? “París contrarresta todo eso. En las Bahamas vivo en un trailer en la playa, de forma muy sencilla. Todo consiste simplemente en hacer música, comer en el jardín o en la playa. Cuando voy a París, es justo lo contrario; es la vida urbana y vivo en una casa. Voy allí cuando quiero sentir un aire cosmopolita, cuando quiero ir a los museos y a las galerías de arte, comer buena comida y beber vino, ir a la opera o al ballet. Así que los dos lugares se complementan muy bien porque son los dos extremos que me gustan”. Con total seguridad valdría la pena desplegar un mapa de diversas interpretaciones con el objetivo de entrañar que ciudad ha determinado un punto de apoyo más fuerte en la creación del long-play. “Lo que me aporta París era que, después de haber estado en el campo durante tanto tiempo grabando esta música, podía ir después para escucharla allí, mientras iba en coche o caminando. Esa música que grabé en las Bahamas adquiría de pronto un sentido totalmente diferente para mí. Sonaba de forma distinta al estar en un lugar distinto. También el tono final de lo que había grabado era diferente en París, lo que fui añadiendo a mi música en la capital francesa era distinto, era un tipo de sonido más eléctrico, más urbano. Acabé haciendo muchas mezclas de sintetizador y cosas así”.

Dejando atrás los detalles técnicos y ya que anteriormente se ha desgranado ‘The faith of a child’ o ‘Black and white America’ valdría hablar de ‘Stand’, composición que se ha encargado de llevar la representación del conjunto total. “Es muy especial. Coloqué un tono exageradamente Pop sobre una base Funk. Hay una influencia muy fuerte de The Partridge Family, como se puede comprobar, pues es uno de mis mayores tótems. La canción tiene un acorde de arpa en el centro y es obvio que en muchos de esos viejos temas de The Partridge Family que escuchábamos cuando veíamos la televisión de niños había un acorde de arpa en las sintonías. Aquello me entusiasmaba. Otro punto interesante sobre la canción es que tiene un ritmo funky muy entusiasta, lleno de aire y de diversión. Aunque en sí la canción tiene un mensaje muy serio. Si escuchas la letra verás que habla de perseverar en la vida e ir hacia delante. Sin olvidar que cuando te golpean tienes que levantarte de nuevo y seguir en movimiento a pesar de las adversidades”.

Dos lecturas dentro de una misma canción con una historia detrás: Lenny Kravitz y un amigo, forjando la verdadera historia partiendo desde el origen de su creación como canción. “Trata de un amigo que se quedó paralizado de cintura para abajo. Por desgracia yo no estaba en el mismo lugar donde vive este amigo tan cercano al que considero un hermano, así que quería hacer algo que le transmitiera al menos un empujón de buena energía porque era lo único que podía hacer. Eso o rezar y tratar de transmitir vibraciones positivas. Me decanté por escribirle esta canción, es lo que podía dar en ese momento. Y hoy, gracias a Dios, esta persona ya puede andar, puede volver a caminar sobre sus piernas. De eso trata toda la canción”. Aunque el poso tenga un punto amargo, la esperanza comulga con el espíritu general llegando a plasmarse en el mismo videoclip. “El video es muy divertido, una comedia total. Creo que la gente no se va a dar cuenta, pero en realidad yo interpreto tres personajes en él. Todo está basado en un concurso de televisión muy similar a ‘Let’s make a deal’ (una especie de ‘Un, dos, tres…’ o ‘El precio justo’ en España). Mi abuela lo veía cuando yo era pequeño y el recuerdo se quedó en mi cabeza. Habla de gente que pierde cosas y de cómo se enfrentan a ello, pero de un modo completamente cómico”.

Sin alejarse demasiado del campo de la amistad (aunque esto siguiente sean colaboraciones), otros que se dejan escuchar en este “Black and white America” son Jay-Z y el ya fiel escudero y guitarrista de Kravitz, Craig Ross. Sobre el primero, el músico dice: “Tenía ganas de colaborar con Jay-Z de nuevo porque la propia canción me lo pedía. Quiero decir que no pienso en hacer determinadas cosas solo porque sean ‘cool’ o porque vaya a resultar un gran acontecimiento. Se trata de lo que necesite la canción. Por eso después de grabar ‘Boongie drop’, escuché su voz en el centro de la canción. Me di cuenta de que lo que quería no era un solo de guitarra o cualquier otra cosa, sino que quería tener la voz de Jay ahí mismo. Creo que tenía el carácter que estaba buscando. Así que le llamé, y como es un tipo genial, me dijo que sí”. Cuando toca hablar de Ross, las palabras adoptan mucho más cariño. “Trabajar con Craig Ross es algo hermoso. Ha estado tocando conmigo desde la gira de ‘Mama Said’. Es el único (aparte de mí) que ha estado en todos los álbumes. Lo grande de nuestra relación de trabajo es que no tengo que explicarle nada. Es suficiente con decirle algo muy breve o basta con ponerme a tocar y él sabe inmediatamente por dónde ir y como tocar, sin pisarnos. Actúa siempre como contrapunto a lo que yo toco y también domina muchos estilos, así que podemos movernos de un lado a otro y abarcar un territorio muy amplio. Pienso que Craig es alguien que todavía no ha sido suficientemente valorado. Este tipo es uno de los mejores guitarristas que existen y creo que merece más reconocimiento”.

De todo esto se puede sacar una conclusión clarividente que además juega con ambos colores: el lado blanco del disco (white) con ese tono divertido y cómico con el otro reverso, el negro (black) y las verdaderas historias que se encuentran tras las letras. Visto así puede funcionar como un disco de vinilo, caracterizándose por sus dos caras. Aunque Kravitz comparte esta apreciación, prefiere otorgarle la complejidad de un doble vinilo. “Estilísticamente este disco abarca muchas cosas, aunque todos mis discos son así. Yo quería tocar todos los estilos y todos los sonidos posibles. Ahí queda el resultado final: dieciséis temas en un álbum que, aunque es un solo CD, yo lo veo como un doble álbum, porque yo sigo pensando en términos de vinilo. Es algo que nunca he dejado atrás. Para mí es como si fueran dos vinilos, con cuatro canciones por cara, y lo vamos a sacar así también. Es un disco doble, es lo que necesitaba”.

Dentro de los planes inmediatos del músico de Nueva York se encuentra la gira europea que recorrerá durante la primavera y el verano países como Francia, Alemania, Portugal, Suecia, Noruega, Holanda, Italia y España. “Mis planes para el resto del año son gira, gira y gira. Voy a tener mucho que hacer con este tour. Es algo que tengo muchas ganas de hacer porque hay mucha nueva música que tocar. Va a ser muy funky. Tengo una banda increíblemente buena, incluso te diría que es la banda más potente que he tenido nunca. Ando creando una buena atmósfera para tocar todo con un buen escenario y materiales interactivos. Va a ser potente, va a estar muy bien, y vais a escuchar una gran creación musical”.

Las fechas, información de entradas y recintos se pueden consultar desde ya en la web oficial.

Uno de los más míticos establecimientos musicales de Londres, y mira que esta ciudad tiene unos cuantos, está a punto de cerrar sus puertas salvo que una campaña benéfica evite la desaparición del 100 Club. Por ello, hemos pensado en preparar una serie de monográficos sobre todos esos tugurios que han sido claves en el desarrollo del rock and roll y de otros géneros vinculados. Además, el artículo irá acompañado de una lista de vídeos filmados en su escenario, siempre que sea posible, o bien una selección de los grupos más destacados que han pasado por su escenario.

Los inicios
El 100 Club, como no podría ser de otra manera, está situado en el número 100 de Oxford Street, la mayor artería de Westminster, Londres. Una zona de compras donde desde el 24 de octubre de 1942 se han escrito algunas de las páginas más importantes de la historia de la música británica.

El club nació como un restaurante, llamado Mack’s, en el que había música en directo. Para la inauguración contrataron a Robert Feldman y su banda -en la que figuraba un prodigioso batería de 8 años llamado Victor Feldman-. El concierto gustó y fueron contratados para actuar regularmente. El precio de la entrada era de cuatro libras y a Mack’s se le empezó a conocer como Feldman Swing Club.

Lo cierto es que el club comenzó a hacerse un hueco ya que atraía a los estadounidenses residentes en Londres, que eran muchos ya que se estaba en plena II Guerra Mundial, así como a algunos británicos deseos de escuchar y bailar jazz. En esta época actuó Glen Miller y su ‘big band’.

En 1948 cambió al nombre de London Jazz Club y empezó a programar la versión más bailable del jazz: swing, en las noches de los sábados y lunes, y be bop, los domingos.

The Humphrey Lyttelton Club
En la década de los 50′s, Lyn Dutton se hizo con las riendas del club y decidió ponerle el nombre de uno de sus clientes: Humphrey Lyttelton. Fueron los tiempos en los que recibió la visita de varias de las figuras más importantes del jazz: Louise Armstrong, Billie Holiday, … e incluso el propio Lyttelton logró varios éxitos en las listas británicas, lo que hizo que el club se convirtiese en 1959 y 1960 en el epicentro del jazz tradicional en Londres.

Los años del Swingning London
Los gustos cambiaron con la llegada de la década de los años 60. Londres se iba a convertir en la capital mundial de la cultura y la moda. Una nueva corriente juvenil emergió desde sus calles para expandirse por todo el globo terráneo. Los modernistas o mods, como se les conoce para la posteridad, no eran unos devotos del jazz tradicional. Todo lo contrario. Como su propio nombre indica, eran fans del modern jazz. Pero no sólo de este sonido sino también de otros procedentes del otro lado del Atlántico como el blues, el soul o el r&b.

Este cambio de gustos hizo que el club fuese perdiendo audiencia hasta que se reinventó en 1964, de la mano de otro propietario, Roger Horton, y de un cambio de nombre: 100 Club.

La idea de Horton fue la de salirse del paraguas del jazz para centrarse en otros estilos. De esta manera, por su escenario pasaron algunos de los artistas preferidos de la juventud ‘sixtie’ de Londres y, sobre todo, de los músicos de la escena británica. Entre otros, por allí pasaron Albert King, Muddy Waters, Bo Diddley o Jackie Wilson.

Eran los tiempos en los que el Marquee o el Flamingo destacaban por las bandas residentes que tenían o por las jams de músicos locales. El 100 Club también empezó a dar cobijo a formaciones locales, especialmente a una: Steampacket. El primer super-grupo de la historia, formado por Rod ‘the mod’ Stewart, Long John Baldry, Jon Auer y Julie Driscoll. También fue el hogar de John Mayall’s Blues Band y por su escenario pasaron gran parte de los principales grupos británicos del momento: The Kinks, The Who, Pretty Things o Spencer Davis Group.

Explota el punk y renacen los mods
El 100 Club tuvo que volver a reinventarse durante la década de los años 70. La explosión mod fue remplazada por el hippismo. El club volvió a apostar por el jazz desde finales de los 60, trayendo estrellas estadounidenses a Londres y, sobre todo, beneficiándose del cierre del 51 Club en el Soho.

Sin embargo, los años 70 fueron una de las etapas más duras que tuvo que vivir el 100 Club hasta un día de 1976. El 21 de septiembre de 1976 la vida iba a cambiar para el 100 Club. El punk inglés iba a explotar en sus dependencias gracias a un curioso evento de dos días: 100 Club Punk Festival, con Sex Pistols, The Damned, The Clash, Siouxsie and The Banshees, Buzzcocks, Stinky Boys, Subway Sect y Chris Spedding & The Vibrators.

Al evento acudieron 600 personas, entre las que se encontraban Shane MacGowan (The Pogues), Chrissie Hynde (Pretenders), Vivienne Westwood (co-propietaria de la boutique SEX en Chelsea) o Gaye Advert (The Adverts). En Melody Maker se escribió que el festival era “una evidencia de que una nueva era estaba a punto de nacer dentro del rock”.

El 100 Club se convirtió en el hogar del punk británico. Pero como no sólo de punk vive el hombre, la sala también empezó a programar conciertos de bandas ligadas al renacer de la cultura mod y también fue unos de los primeros clubes del centro de Londres en programar sesiones de reggae, durante la noche de los sábados.

Pero, sobre todo, el evento que dará vida al 100 Club desde comienzos de la década de los años 80 serán las 60′s Northern Soul All Nighters. Bajo la supervisión del 6t’s Rhythm’n'Soul Club, que formaron Randy Cozens y Ady Croasdell de Kent Records. Estas sesiones de soul se llevan organizando durante los últimos 31 años, la última fue el pasado 18 de septiembre.

Como ejemplo de la popularidad que el 100 Club tenía a principios de la década de los años 80, diremos que Rolling Stones escogieron este emplazamiento para hacer un concierto secreto que les sirviera para carburar motores antes de su gira europea de 1982.

El brit e indie pop de los 90′s
En la década de los 80′s, el 100 Club además de programar sus noches de soul, también abrió sus puertas a nuevos sonidos, como el african jazz que se programaba en la noche de los viernes. Pero la popularidad decreció hasta 1992, año en el 100 Club revivió sus mejores noches de 1976 pero con una banda sonora algo diferente: indie pop.

A partir de septiembre de 1992, el 100 Club empezó a acoger a formaciones de la escena independiente británica, adelantándose a muchos otros clubes de la ciudad y anticipando la explosión del brit pop de mediados de la década de los años 90. Por su escenario comenzaron a pasar Echobelly, Ocean Colour Scene, Kula Shaker, Travis, Embrace, Doves, Semisonic o nombres más actuales como Muse y JJ72.

Sin embargo, este epicentro musical de la capital británica, lugar de nacimiento de algunas de las manifestaciones musicales más importantes del siglo XX y hogar de las más diversas tendencias musicales del momento está a punto de pasar a mejor vida… La crisis se cobra todo tipo de víctimas, incluso clubes de música tan emblemáticos como el 100 Club de Oxford Street. Próximamente repasaremos la trayectoria de otros locales como el Marquee, Flamingo, CBGB’s, Max Kansas, Rockola, Wigan Casino y muchos otros que no desvelamos… al menos de momento.

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Texto: Carlos A.S.

Tugurios del Rock I: 100 Club, Londres
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No vamos a negar que desde que tuvimos noticia de la edición del TurboRock nos ha encantado su propuesta. Buenos grupos de allí, como Mudhoney o Redd Kross; con buenos grupos de aquí, como Los Coronas o The Right Ons. Y con un formato diferente, el festival como tal se desarrolla en tres lugares: la discoteca Spook, de Pinedo (Valencia), el Mercado de Sarón (Cantabria) y la sala Rock Kitchen de Madrid.

 

En el interior os contamos el cartel, los horarios, el precio de los abonos, de las entradas de un día, cómo llegar a los distintos emplazamientos y, por supuesto, os vamos a poner los dientes largos con una pequeña selección de las canciones que muy probablemente suenen en el Turborock.

 

 

Fechas y precios
El Turborock como festival de dos días se va a celebrar tanto en la discoteca Spook de Pinedo, Valencia, como en el Mercado de Sarón, Cantabria, durante el viernes 24 y el sábado 25 de septiembre. El precio del abono de dos días es de 75 euros mientras que desde el 1 de septiembre ya se venden entradas de día a razón de 40 euros.

 

La organización del TurboRock ha dispuesto autobuses entre Valencia y la discoteca Spook así como también desde Santander al Mercado de Sarón. En la página web del festival podéis consultar los horarios de salida y regreso.

 

Además, el sábado 25 a partir de las 15.00 horas, habrá sesión vermú y comida popular. La distribución de grupos por días y sede, así como los horarios de cada edición, los puedes consultar en el siguiente enlace.

 

 

La edición de Madrid
La tercera sede del TurboRock será la sala Rock Kitchen de Madrid, que está situada en la calle Fundadores, 7. Sin embargo, será una edición más modesta ya que no tocarán todas las bandas que lo van a hacer en Cantabria y Valencia, pero sí las más importantes.

 

El TurboRock en Madrid tendrá tres sesiones -miércoles 22, jueves 23 y martes 28 de septiembre- y el precio del abono será de 65 euros. La entrada para el miércoles 22 de septiembre será de 25 euros y actuarán The Soundtrack of Our Lives, The Muffs, JC Brooks & The Uptown Sound y Muck and The Mires.

 

La entrada para el jueves 23 de septiembre será de 35 euros y actuarán Redd Kross, Hoodoo Gurus y Autoramas. Mientras que la entrada para el martes 28 de septiembre tendrá un precio de 30 euros y actuarán Mudhoney, Young Fresh Fellows y The Meanies.

 

Los horarios de los conciertos están disponibles en el siguiente enlace.

 

 

Los grupos
El cartel del TurboRock contará con la presencia de formaciones procedentes de diferentes partes del globo. Y por supuesto, habrá una representación patria a cargo de Sex Museum, Los Coronas, The Right Ons, Autoramas, Los Chik Tones y Los Chicos. Te diríamos que no te perdieses a ninguno, pero no podemos evitar recomendarte a dos de nuestros grupos preferidos de aquí: The Right Ons y Los Chicos. Baile y diversión, garantizados.

 

Y prácticamente desde la otra punta del globo terráqueo llega la representación australiana, de la que nos declaramos fans incondicionales, con Hoodoo Gurus -mítica formación de powerpop procedente de Sidney- y The Meanies -unos punk rockers surgidos a finales de los 80′s-.

 

Después de hablar de la representación australiana, haremos lo propio con la de Seattle. Por un lado, los míticos Mudhoney, que se encargarán de cerrar una noche. Surgidos antes de la explosión del grunge, nunca gozaron de éxito comercial y son uno de esos grupos llamados ‘de culto’ que no debes perderte sobre un escenario. Y por otro, tenemos a Young Fresh Fellows que, con Scott McCaughey a la cabeza, son otra institución de la música de Seattle aunque su camino discurre por el pop en lugar del grunge.

 

Y si hablamos de grandes formaciones de pop, no podemos obviar que otra jornada estará cerrada por Redd Kross. La formación de los hermanos McDonald regresa a España para deleitar a sus incondicionales con tres actuaciones. Nosotros, que hemos tenido la oportunidad de verles en un par de ocasiones, te decimos que es obligatorio acudir a un concierto suyo.

 

Y tampoco queremos olvidarnos de unos maestros del pop psicodélico de la últma década y que también tienen una extensa base de fans por nuestro país: los suecos The Soundtrack of Our Lives.

 

Escuchando sus discos quién diría que surgieron a raíz de la disolución de Union Carbide Productions pero, sin lugar a dudas, TSOOL son uno de los grandes nombres de la actualidad. En su trayectoria figura uno de los mejores discos de lo que llevamos de siglo: Behind the Music [2001]. En el TuboRock presentarán su última entrega: Communion.

 

Para disfrutar de estos grupos de los que te hemos hablado y de los que nos hemos dejado en el tintero, como los ‘bailongos’ JC Brooks & The Uptown Sound, te hemos preparado el siguiente listado de vídeos.

 

TurboRock
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Ya está disponible para ser visto el videoclip del segundo single de No Line On The Horizon, Magnificent, que salió a la calle el pasado 5 de Mayo.

 

Grabado en Fez (Marruecos) y dirigido por Alex Courtes (que también dirigió el anterior videoclip) potencia el que seguramente sea el tema que el público más pida en los conciertos y que ayudó al grupo a salvar las primeras críticas hacia el grupo.

 

]]> http://www.todomusicarock.org/u2-magnificent-videoclip/feed/ 0 http://www.todomusicarock.org/green-day-know-your-enemy/ http://www.todomusicarock.org/green-day-know-your-enemy/#comments Mon, 04 May 2009 18:46:45 +0000 Álvaro Sanz http://www.todomusicarock.org/green-day-know-your-enemy/

Un ritmo fuerte y contundente, letras melódicas y un conjunto tremendo hace que este primer single nos haga afirmar que el grupo va a seguir en su línea, va a retomar todo donde lo dejó, y es que de momento, esa es su fórmula para el éxito.

El quince de este mes (ya queda muy poquito) podremos escuchar el resto del disco, que si sigue esta línea seguramente coseche un gran éxito.

Ver vídeo | VH1: "Know Your Enemy"

La banda de Nu Metal, Slipknot, con una de las estéticas y de los sonidos más característicos de la actualidad musical, ha presentado el videoclip de su nuevo sencillo, titulado Sulfur, rodado el pasado Marzo en Los Ángeles.

Dirigido por Shawn Cranna (uno de los percusionistas del grupo) y por P.R. Brown, es uno de los trabajos por los que podemos descubrir porque hay tanto fan detrás de este grupo.

Vía | uSónica

Los australianos ya han presentado el videoclip oficial de Anything Goes, uno de los temas de su último trabajo, Black Ice, que está teniendo un éxito abrumador.

Está dirigido por David Mallet, que ya sabe que se siente al hacer esto ya que no es la primera vez. El grupo dentro de poco podrá tocar en nuestro país este tema en directo para que disfrutemos de ellos como si los años no pasaran.

When You´re Strange: A Film About The Doors es la última producción sobre el mítico grupo de Rock.

El trabajo en sí es un documental que ha sido presentado recientemente en el festival de Sundance y que dentro de poco podrá ser adquirido por todos nosotros.

Para todos aquellos que no conozcan el grupo es un buen paso para empezar, para todos aquellas que sí lo conozcan, será una ocasión inmejorable para profundizar en su historia.

Por el momento sólo está disponible el trailer que os dejamos a continuación:

Vía | Cuchara Sónica

El mítico grupo ha anunciado en su web oficial los últimos datos sobre el lanzamiento del documental en el que se mostrarán los conciertos de la gira realizada en 2008, "Somewhere Back in Time Tour".

Iron Maiden: Flight 666 – The movie saldrá a la venta el 21 de Abril; las cámaras entraron en el Backstage, en el Jet privado,… por lo que nos aseguramos ver contenidos inéditos.

Como curiosidad, Bruce Dickinson aparece a los mandos del boeing 747 (que lleva el nombre de: "Ed force one") en el que viaja todo el personal de la gira.

Vía | Hipersónica

El grupo de rock alternativo liderado por Nina Persson, cantante del grupo "The Cardigans", tras el lanzamiento de su primer CD, que porta el mismo nombre que el grupo (A Camp), y que fue lanzado aprovechando un período de descanso en la carrera de "The Cardigans", anunció en 2007 que produciría un nuevo CD.

Este nuevo proyecto lleva el nombre de "Colonia", y algunas de sus canciones ya han sido interpretadas en algunos de los conciertos que llevó a cabo en el 2007 (nos referimos a: "China Town", "Here Are Many Wild Animals" y "I Signed The Line") para que sus fans fueran abriendo boca.

Recientemente, ya hemos podido escuchar y ver el nuevo videoclip del single del nuevo trabajo (que dará a luz el 2 de Febrero del próximo año), se titula "Stronger than Jesus" y os lo dejamos a continuación, a ver qué opináis:

Via | Cuchara Sónica

El 15 de septiembre fallecía de cáncer en su domicilio del Reino Unido Richard Wright, el gran tapado de una de las bandas más importantes de todos los tiempos, Pink Floyd. Si nos centrásemos tan sólo en la influencia del sonido de sus teclas en la discografía de la banda británica ya tendríamos suficientes razones como para asegurar que estamos hablando de un artista clave en la revolución que significó primero la psicodelia de finales de los 60 como más tarde el rock progresivo que caracterizó a Pink Floyd en los 70 y que convertiría al grupo en casi una religión para millones de fieles a lo largo de todo el planeta.

Pero a Richard Wright también le debemos algunas de las composiciones más importantes de los británicos; de hecho, dentro del disco clave en la trayectoria de Pink Floyd , el “Dark side of the moon”, Wright firma dos de sus canciones más reconocidas, “Us and Them” y “The Great Gig in the Sky”, por no hablar de que su voz es la que escuchamos en temas como “Echoes” o “Astronomy Domine”.

Estas aportaciones sin embargo no fueron suficientes como para que ,a pesar de ser miembro original de la banda, Roger Waters impusiese sus galones y acabase por echarle del grupo durante la grabación de “The Wall” (aunque acompañó a la banda durante la gira como músico de sesión) y durante el disco “The Final Cut”, único disco en el Wright no ha participado ya que tras la marcha de Rogers volvió a formar parte de Pink Floyd. Ya se sabe que en esto de las grandes bandas del rock se encuentran los grandes egos de este mundo así que merece la pena destacar a gente como Richard Wright, un hombre que a pesar de ser una leyenda nunca se sintió a disgusto en un segundo e incluso tercer plano creando las atmósferas perfectas para llevar un paso más allá las canciones de Barret, Waters o Gilmour. Como éste último ha declarado, las mejores canciones de Pink Floyd coinciden con los momentos de mayor inspiración de Wright así que su legado es inmortal aunque él haya muerto…pero como se dice en su composición más famosa “Por qué tenerle miedo a morir?”…”Tienes que irte alguna vez”.

Os dejamos con una de sus canciones, para que disfruteis un rato.