“Lo sencillo es lo que funciona, ir a las cosas básicas y de forma directa.”

A pocos días de la esperada puesta de largo en Madrid de su nuevo disco Get Out, nos ponemos en contacto con Álvaro y Rafa, los dos guitarristas de The Right Ons, que nos hablan de la acogida del nuevo material, su próxima gira y algún proyecto sorpresa sobre el que prefieren no mojarse.

Presentáis este sábado vuestro nuevo disco Get Out, la respuesta en general ha sido muy buena, y de hecho musicópolis lo ha elegido mejor disco nacional de 2011.
Álvaro: Se me cayó una lagrimita el otro día cuando lo leí, me hizo una ilusión increíble. Muchas gracias.

Las primeras noticias que nos llegaron sobre Get Out fue que vuestro sonido iba a ser mucho más rockero, más duro, sin embargo al final tampoco ha sido tanta la diferencia.
A: La gente ha notado un cambio, que el sonido se ha encrudecido un poco, las guitarras están más afiladas, pero nosotros siempre hemos tenido el componente rock. Ha sido nuestra base, por lo que nos metimos en la música, el rock siempre estuvo ahí. Ahora hemos simplificado los ritmos y hemos sido un poco más directos, menos divagaciones y al grano.

Normalmente cuando se habla de la madurez de una banda suele ser sinónimo de relajación, con vosotros parece que ha pasado al revés.
Rafa: Somos una madurez muy temprana, muy juvenil. Yo creo que cuando empezamos ensayando en rockpalace era la misma música, sólo que ahora tiene el poso de 15 años más.

A: Los kilómetros y las horas juntos nos van haciendo madurar, cada año que pasa tenemos experiencias nuevas que amplían ese poso del que habla Rafa. Lo sencillo la mayoría de las veces es lo que funciona, ir a las cosas básicas y de forma directa.

Ahora parece que el rock setentero bailable está de moda, todo el mundo habla de The Black Keys y parece que está llegando público alejado de los círculos rockeros, ¿vosotros lo notáis?
A: Ojalá lo notemos mas, la música es para compartir y si ahora los canales de comunicacion hacen posible que sea accesible para más gente pues bienvenidos sean, aunque no sean fan de los Ramones desde los quince.

En Get Out hay 7 canciones, pero grabasteis más, ¿qué haréis con ellas?
R: Grabamos 10, y si se da la oportunidad saldrá un sencillo, o dentro de unos años un grandes éxitos con inéditos. Tenemos varias canciones que se quedaron fuera, en el disco anterior hubo cuatro, y sólo una salió en la edición especial americana y japonesa. También en el primer disco hubo un par que se quedaron en el camino. No sé que pasará con ellas.

Como habéis comentado, las nuevas canciones son más limpias, van más al grano. ¿Al tocar ahora temas antiguos se contagian de este nuevo enfoque?
R: Buscamos canciones de nuestro repertorio antiguo que no hemos tocado tanto y que puedan encajar con las de este nuevo disco. Luego las canciones no suenan igual en la primera gira, en la segunda… las mismas canciones van creciendo, se van amoldando al repertorio nuevo ellas solas.

¿Tenéis ya en mente giras por EEUU o Japón?
A: No hay nada cerrado de momento, el disco se va a editar en Japón y en EEUU estamos de charla con la gente de allí y vamos a ver que pasa. Ahora mismo estamos preparados y concentrados en tocar esta gira española, no sabemos qué pasará después, pero de momento estamos atacando los terrenos y los campos de batalla nacionales.

Ha sido una sorpresa leer que tenéis un proyecto con Loquillo…
(silencio)

Hace poco salió en un medio fotos de una reunión con él…
A: Bueno… el otro día quedamos con él para comer, para ver como le van las cosas, como nos va a nosotros, le gusta lo nuestro y nosotros somos muy fans suyos. Cuando tenemos oportunidad nos juntamos, quién sabe si en un futuro. También somos muy amigos de Sabino (Méndez).

Loquillo ha anunciado que está preparando un disco de rock de garaje con Sabino Méndez y una banda española y joven…
R: Si lo ha dicho Loquillo será verdad…

¿Qué relación tenéis con él?
A: Nos conocimos en la boda de unos amigos en Cádiz. Imagínate, con un gin tonic en mano empiezas a hablar de música, de experiencias… para nosotros es un puntazo conocer a la representación del rock por excelencia de este país. Es de carne y hueso, tiene corazón, sabe hablar de las cosas y disfrutamos mucho de su conversación.

Vemos el vídeo de ‘On The Radio’ y está Madrid, hay chicas y mucho ritmo, ¿es lo que os define en directo?
A: Pues la verdad es que es una maravilla de combinación. Invitaría a todo el mundo que lea esta entrevista a que venga el próximo sabado 14 de enero a la sala El Sol de Madrid, el que venga lo verá, las chicas y el ritmo. Es la presentación oficial del disco, tocamos en casa, va a ser muy bonito y vamos a darlo todo. Super buen rollo, chicas guapas y chicos guapos.
R: ¡¡Por lo menos cinco!!

“Fly From Here es una buena base para el futuro próximo de Yes”

A unas semanas del inicio de una gira que pasará por nuestro país nos ponemos en contacto con Alan White, el batería de la histórica banda de rock progresivo Yes. Una conversación telefónica en la que el mítico percusionista fue bastante escueto y evitó mojarse en algunos temas polémicos.

¿Cuál crees que ha sido la acogida generalizada del nuevo disco ‘Fly From Here’?
Muy muy buena, ha gustado mucho, y por eso ahora estamos girando por los países grandes de europa, y luego, por américa.

En realidad las críticas no han sido muy positivas, ¿has podido leer alguna?
No he leído muchas reseñas… sólo algunas y creo que todas esas críticas vienen de los amantes de Jon Anderson (ndr: cantante original de la banda). Este disco yo lo disfruto mucho, y el resto de la banda también.

Comenzáis la gira europea en España, ¿qué imagen tenéis de los aficionados españoles de rock progresivo?
Nos gusta estar en contacto con todos nuestros fans, y en España lo son desde hace mucho tiempo. Esperemos que nos sigan apoyando y que podamos ir (a tocar) siempre que sea económicamente viable. Me gusta España y la gente de España, siempre lo pasamos bien alli.

Este disco contiene material sobrante de la época de “Drama”, de 1980, ¿por qué hacer un disco así?, ¿cuál es tu visión sobre el significado de este disco en la discografía de Yes?
Ese material siempre nos gustó, decidimos que Trevor Horn extendiese la línea argumental y la música, y de esta forma hicimos todo el disco. En esa época solíamos hacer canciones más largas y seguíamos una historia. Creo que este disco es una buena base para el futuro próximo.

¿Grabaréis pronto un disco con contenido cien por cien nuevo?
No lo sé, ahora estamos de gira, el disco acaba de salir y giraremos… no pensamos en un nuevo disco, aunque nosotros estamos escribiendo música constantemente.

¿Por qué sucedió al final que se unió a vosotros Geoff Downes en lugar de Oliver Wakeman, que había hecho la gira del 40 aniversario, para grabar “Fly From Here”?
Oliver lo hizo muy bien en esa gira, pero luego mucho material del disco estaba escrito por Geoff, y eso le trajo de vuelta a Yes. Oliver también toca en el disco, creo que sólo en una canción, el resto lo ha hecho Geoff.

La formación de Yes durante esa gira del 40 aniversario pareció recibir una gran acogida por parte de vuestros fans y funcionó bien, ya con Benoit David en lugar de Jon Anderson y Oliver Wakeman sustituyendo a su padre Rick…
Benoit David venía de una banda de versiones de Yes, y se sabía ya todas las canciones. Su voz se parece a la de Jon pero no tanto como se dice, es una voz diferente. (Sobre el cambio de Oliver por Rick) Son cosas que pasan y nosotros hicimos lo que teníamos que hacer, tocamos ante mucha gente y es un trabajo muy exigente, muy duro.

Benoit David era y es un gran fan de Yes, ¿os pidió tocar alguna canción en particular?, ¿alguna rareza?
Realmente no, además ya sabíamos cual iba a ser el set-list, que lo preparamos entre Geoff y yo.

Una pregunta inevitable, Jon Anderson parece todavía molesto con vosotros por cómo ocurrieron las cosas antes de la gira del 40 aniversario de Yes, ¿crees que tiene razón?
Me llevo bien con Jon, le mando mails, hablamos de vez en cuando… todo empezó porque enfermó y no podía hacer la gira que debíamos hacer. Nosotros no podíamos esperar y entiendo que se enfadase un poco, pero Yes tenía que seguir para adelante y buscamos otro cantante.

Una última pregunta, ¿cómo ves el panorama de nuevos baterías en el mundo del progresivo?, ¿conoces el trabajo de Marco Minemann o Gavin Harrison?
Ahora no hay mucha gente que tenga estilo propio, cada uno tiene que ser uno mismo y tener su propio sonido. Realmente no conozco a ninguno de los dos, no he tenido la oportunidad de conocer su trabajo.

El verano finalmente nos abandona una vez más. Se acabaron las tardes en la piscina y los tardíos anocheceres de terraza en camisa hawaiana y no menos coloreada coctelera en mano. Vuelven las clases, el fútbol y las colecciones que nunca logramos terminar. Pero no todo son malas noticias. El primer viento otoñal nos trae una banda americana que pretende dar una buena hondonada de aire fresco a un movimiento musical y social que vivió su época dorada hace más de medio siglo.

JC Brooks & The Uptown Sound llegó a España el pasado miércoles para presentar su nuevo álbum Want More. La sala El Sol de Madrid sería su primera parada y había mucha expectación por comprobar qué tenían que ofrecer estos músicos a los que los medios atribuyen la capacidad de incorporar con maestría una buena dosis de espíritu rebelde post-punk al soul de los años cincuenta.

Tras los minutos de retraso de rigor, en espera de que la sala terminara de llenarse, hicieron acto de presencia Billy Bungeroth, Kevin Marks y Ben Taylor en una clara declaración de intenciones. La banda trabajaría en un segundo plano para ceder todo el protagonismo al carismático JC Brooks que apareció como una exhalación metiéndose rápidamente al público en el bolsillo con su inagotable energía y su saber estar sobre el escenario. El de Chicago ha bebido claramente de los grandes front-man del soul tales como James Brown, Sam Cooke o Ray Charles y tiene claro que para triunfar en este estilo no le basta con tener buena voz sino que debe convertirse en un gran comunicador. Elegantemente ataviado con traje y corbata, el señor Brooks ha encontrado el punto perfecto entre porte señorial y distinguido y la pasión y entrega viscerales necesarias para llegar al corazón de su audiencia. De esta forma es casi imposible no emocionarse con la dramática ‘I’ve been loving you too long‘ o hincharse de optimismo con ‘Everything will be fine‘.

Sus compañeros, como anteriormente señalábamos, se acomodan en un segundo plano visual y musical para formar una magnífica base del pastel. Ben Taylor recorre sus cuatro cuerdas con una musicalidad, sencillez y precisión envidiables. Sin grandes alardes aporta con su compañero Kevin el peso y la intensidad adecuados para cada tema. Tienen la lección bien aprendida: sencillez y buen control de las dinámicas. Por si fuera poco, los tres contribuyen con unos notables coros bien armonizados que colorean unos temas ya de por sí llenos de vitalidad. Quizás el guitarrista Bill Bungeroth pueda ser la pata coja de esta gran mesa pues en ocasiones se puede echar en falta que eche toda la carne en el asador ayudando a JC a tocar el cielo en el cenit de temas como la versión ‘I’m trying to break your heart‘ o ‘Baltimore is the new Brooklyn‘. En su contención, o quizás limitación de recursos, radica probablemente el que el grupo no tenga en su formato cuarteto nada de ese supuesto post-punk del que tanto se ha hablado.

Aún así, los afortunados que decidieron asistir aquella noche a la sala El Sol vivieron un concierto de soul-funk extraordinario con un gran sonido y dirigido por un maestro de ceremonias excelente. No es de extrañar que el personal se quedara con ganas de más y se agolpara en la mesa del “merchan” ávidos de buena música. “Want more”!

El forajido del punk rock y líder de The Supersuckers, visitará España cuando el sol de Agosto comience a descender. Tiene balas suficientes en la recámara. La primera, “Sundowner” (Bloodshoot Records, 2011), será el primer disparo. Este último disco no inventa nada nuevo, versiones en tono country, pero con mucha arena y actitud de por medio. Con “The Sauce” (Mid-Fi Recordings, 2003) dejó tocado a más de uno, pero remató con el siguiente trabajo en solitario, “Old No.2” (Mid-Fi Recordings, 2005). Para batirte en duelo con él deberás tener en cuenta las siguientes fechas:
26 de Agosto – Kafe Antzonki (Bilbao)
27 de Agosto – Gruta 77 (Madrid)
28 de Agosto – Valhalla Rock Bar (Barcelona).
Yo de ti… no me lo perdería.

Tras seis años aparece tu tercer trabajo. ¿Se puede decir que a la tercera va la vencida?
Pues tengo mucha suerte. Me siento afortunado de estar en este momento Bloodshoot Records y de tener la oportunidad de hacer las canciones que me encantan. Hay muchas ganas de que llegue el disco número cuatro, tengo un montón de temas originales para hacer uno disco.

Además eso, debutas con el sello Bloodshoot Records donde hay gente como Ben Weaver, Justin Townes Earle, Ha Ha Tonka, Jon Rauhouse o Exene Cervenka. ¿Estando por primera vez en este sello quieres hacer algo distinto en el futuro?
Eso es lo que hago. Quiero hacer un montón de cosas a ser diferente en este negocio para tener un sabio futuro. Voy a disfrutar de este paseo con Bloodshoot Records, siempre y cuando pueda. Sé que me quedo en buena compañía.

Y es a lo que vamos. La fórmula sigue siendo la misma, es decir, un claro acento country con una mezcla de composiciones propias y versiones tan apropiadas que van desde Del Reeves, Johnny Cash, The Dwarves, Lee Harvey Oswald Band o Steve Earle. Tengo que decir que es una colección excelente. ¿Se han quedado otras fuera de este disco?
Sí, siempre hay unas pocas canciones que no salen. Tengo que dejar fuera algunos que parecen estar fuera de lugar, todo tiene una ambiente y trato de ir solo con ella. Me gusta ir un poco por todos los caminos posibles, pero hay una planificación ya definida.

Destaco ‘Where do I go?’, con tu hijo Quattro como “colaboración especial”. No es la primera vez que canta en un disco tuyo. ¿Tratando de meterle en la sangre el “veneno” del rock and roll?
Me gustaría, en cierto modo, que tome ese veneno. Es algo con lo que se nace. Este chico sólo tiene algo y quiero darle una salida. Al principio lo hice porque era divertido tenerlo en el estudio, pero ahora tiene la edad suficiente para querer estar allí. Incluso él viene con su propio material. Subió al escenario en mi última noche en Londres y tocó ‘Lazy Day’, su más reciente éxito.

Fíjate, pienso que en el rock sureño o en el country la familia es mucho más importante que lo puede ser en otros estilos más individualistas. Me vienen a la cabeza The Carter Family o Lynyrd Skynyrd. ¿Sin duda la familia es un tótem en tu música?
Así es. Antes yo estaba casado y tenía hijos, todo era diferente, pero como la mayoría de la gente evolucioné. De todos modos, creo que las cosas están mejor por eso. Algunos pueden decir que me he ablandado, pero quiero llegar a viejo con mi familia y mi música.

Suena Steve Earle en ‘If you fall in love’, ‘What Do I Care’ de Johnny Cash… ¡Te atreves con ‘Always in my mind’ popularizada por Elvis Presley y Willie Nelson! ¿Hay canciones que te infundan más respeto que otras?
Por supuesto. Creo que hay algunos artistas por ahí que están en otra división. Siempre lo ha sido y siempre lo será. Pero siempre voy a escuchar y tocar las canciones.

Y añadiría. Es obvio el respeto con el que las cantas, pero ¿temes que algún artista de los que versionas pueda darte una opinión negativa respecto a la versión? Personalmente, versionar a Dylan, Elvis o Dean Martin tiene que imponer.
Bueno, muchos de ellos están todos muertos, pero creo que están muy bien. Todo es por amor.

Y hablando de Dean Martin. Tocas ‘Party, dolls and wine’ pero es un estilo alejado del country y del rock sureño. ¿Encajaba más en ese estilo por la letra de esa canción?
Su versión será siempre mejor que la mía, pero una buena canción se puede tocar en cualquier estilo. Hands down, that’s my rule.

Veo que hay cierto paralelismo entre tú y Mike Ness, pues ambos habéis decidido en un momento dado oxigenarse con discos en solitario cuando vuestras bandas parecían algo estancadas. Me parece una postura muy inteligente. ¿Crees que hay que tomarse un tiempo para volver con más ganas?
Es lo que hago. Tengo que dejar un tiempo necesario para dar a los chicos un descanso, y después, cuando las canciones están ahí, ya estaremos listos para volver al estudio. Hemos tenido un par de años difíciles, pero esto es así y no importa lo mucho que me cueste admitirlo, esto es un negocio y yo no iré a ningún lado.

Es más, creo que tú carrera no esta lo suficientemente valorada por la crítica debido a que no hay composiciones propias y por la corta duración que tienen los discos. ¿Qué opinión tienes acerca de esto?
Si me importasen las críticas, habría dejado de hacer esto hace veinte años.

¿Es posible que esto sea un simple divertimento al margen de The Supersuckers?
Diría que es un salvavidas para mí. Quiero tener mi parte del pastel y comérmelo también. Hasta ahora, todo ha ido bien.

¡Ojo! Me resulta gratificante escucharte haciendo versiones en tono country. Sin duda me parece algo valiente por otro lado.
Las versiones son fáciles y divertidas. Pero yo soy mucho más lento y se están convirtiendo en mis propias canciones, probablemente porque tienen una vida de verdad. Soy un hombre de familia en primer lugar, por lo que la música es lo que hago y no siempre es lo que soy.

Hay tres temas propios y nueve versiones. En tus discos anteriores en solitario se repetía. La pregunta es evidente. ¿Por qué no te has atrevido a hacer todavía un disco con composiciones propias?
¿¿¿Quieres atreverte a escribir mis propias canciones??? En el próximo disco en solitario no habrá covers.

Musicopolis, Nooirax producciones, Giradiscos y Feiticeira.org te invitan al concierto de Secrets Chiefs 3 el próximo martes 28 de junio en la sala Caracol de Madrid. Sólo tienes que enviar un correo electrónico con tu nombre y dos apellidos a concursos@musicopolis.es con el asunto “Secret Chiefs 3″. Sortearemos tres entradas entre todos los mails recibidos.

SECRET CHIEFS 3 (con Trey Spruance de Mr. Bungle y Faith No More) + FAT32
Sala Caracol (Madrid)
Martes 28 Junio de 2011
Apertura de puertas: 20:00 horas
Entrada anticipada/en taquilla: 15/20 euros.
Adquiere aquí tu entrada anticipada online: http://secretchiefs3madrid.ticketea.com/
O bien en los siguientes puntos de venta:
- Tienda Tipo/ Rosa Negra. C/ Montera, 25. metro: Sol, Gran Via
- Commercial Records. C/ La Palma, 78. metro: Noviciado

Pocos músicos contemporáneos pueden presumir de un historial tan abultado y de calidad como el que tiene el guitarrista Trey Spruance. Primero se juntó con sus colegas (uno de ellos se llamaba Mike Patton) para formar una batidora musical dónde iba entrando funk, rock, rap, avant-garde, jazz y hasta el último artilugio musical que uno pueda pensar. En mitad de su trayectoria surgen varios proyectos paralelos entre los que se incluye su fugaz paso por Faith No More grabando las guitarras de “King For A Day, Fool For A Lifetime” o la creación de su proyecto personal Secret Chiefs 3, junto a otros dos ex-Mr. Bungle.

Secret Chiefs 3 ha sido lo único que ha mantenido a Trey ocupado musicalmente, con una carrera productiva como pocas que apenas ha coqueteado con los proyectos de John Zorn aparte de la discografía y escenografía de SC3. Desde los inicios surf-rock experimentales con cortes arábicos su sonido ha tendido mucho más a todas las tendencias orientales, con fuerte presencia de guitarras pero mucho más de violines y teclados. Es muy difícil explicar con palabras por dónde juegan Trey y sus chicos, ahora que no cuenta con los otros dos miembros iniciales, pero lo que es seguro es que sus dos pasos previos por España (en Madrid fueron sendos aforos completos con tan sólo un mes para la venta de entradas) contentó a seguidores acérrimos y a gente que venía más motivado por la curiosidad.

Hace poco vimos como Trey por fin se juntaba a Mike Patton como miembro de la banda de apoyo de su proyecto Mondo Cane, pero la reunión con Mr. Bungle parece quedar aún muy alejada. Mientras tanto, disfrutemos de Secret Chiefs 3, presentando sus próximos discos “Satellite Supersonic Vol. 1″ (Mayo, incluyendo rarezas) y “Book Of Souls” (Otoño, su esperado nuevo disco) en un show de dos horas.

Sobre sus teloneros, Fat32, podemos decir que son un dúo francés que ha sido recientemente fichado por el propio sello de Trey Spruance. Con este fichaje por Mimicry Records se aseguran una garantía de calidad de la que ya gozaron bandas como Dengue Fever, Sleepytime Gorilla Museum o Estradasphere, aunque en este caso los derroteros de la banda van más en torno a unos Hella o Lightning Bolt con teclados, inclusive prometiendo que su concierto será a ras de suelo y no encima del escenario.

Velada de sleazy y glamour en Carabanchel con la presencia de Steven Adler, batería original de Guns N’ Roses, como máximo reclamo. La banda que iba a cerrar la noche aparece la primera, Gansos Rosas con su nuevo cantante salen enrabietados y con la distorsión a tope para ahondar en el repertorio gunner, ‘Chinese Democracy‘, ‘Ain’t It Fun‘ de los Dead Boys o la tremenda ‘Yesterdays‘ muestran una banda sólida ante temas que no son fáciles. La rabia tenía su motivo, y dedican ‘Get in the Ring‘ al “zampanabos” del road manager de Adler que obligó a cambiar el orden del cartel. Aunque no pudieron tocar canciones del Appetite for Destruction se despidieron con un tema compuesto en esa época y que por calidad podría haber entrado perfectamente en el mítico plástico, ‘You Could Be Mine‘.

Gansos Rosas

La segunda actuación de la noche corre a cargo de Knockout Kaine, que parecían recién salidos de Spinal Tap, sólo que las posturas y los peinados dejaron de entretener al público en la segunda canción. Empezaron con un acelerado ‘We will rock you‘ que no les salió mal, pero continuaron con temas repletos de topicazos hardrockeros sin guitarrazos o estribillos identificables. Lo que solían hacer Mötley Crüe o Poison es más difícil de lo que pueda parecer. Correctos pero aburridos y anacrónicos, incluso en un día para la nostalgia.

Knockout Kaine

Steven Adler entró en Guns N’ Roses a la vez que su gran amigo Slash, y fue protagonista directo del ascenso del grupo a finales de los 80, pero con el éxito llegaron los problemas y las disputas de poder en el seno de la banda. Cuando Steven está tan enganchado que no puede grabar en el estudio, Axl Rose decide que hay que echar al yonki del batería, gran ironía en un ambiente politoxicómano. El ambiente nunca llegó a mejorar y con los años Axl acabó librándose del resto de sus compañeros para acabar hoy, como todos sabemos, como único miembro original, girando por todo el mundo y alternando actuaciones lamentables con otras aún peores.

Se anunció que Adler’s Appetite interpretarían íntegramente Appetite For Destruction, uno de los discos más importantes de la historia del rock tanto por su calidad como por su posterior influencia en otras muchas bandas, un álbum que además no deja de ser reivindicado cada cierto tiempo. Lo cierto es que se dejaron alguna canción sin tocar, como ‘Think About You‘ o ‘Anything Goes‘, pero eso no pareció importarle a nadie y el ambiente de fiesta fue continuo.

El música más flojo de la banda es el propio Adler, técnicamente muy limitado, pero ha sabido rodearse de gente muy válida, especialmente el guitarrista Michael Thomas, que se llevaba todas las miradas con su look glam y su destreza a las seis cuerdas. Esta formación está preparando un disco y presentaron algunos temas de aire angelino y calidad desigual.

¿Los mejores momentos del concierto? creo que no hace falta ni decirlo, ‘Welcome to the Jungle‘, ‘Paradise City‘ y ‘Sweet Child O’Mine‘ son auténticas joyas y brillaron como tales. No defraudó la visita de Adler, que con 45 años y la sonrisa de un chaval en el escenario pareció disfrutar como el que más.

The Mayan Factor nunca sonó en la radio. Tampoco fue un grupo que saliera en las revistas de Rock. Sus videoclips jamás fueron emitidos en televisión. No tuvieron ni discográfica, ni merchandising, ni página web, ni publicidad, ni nada. Nada salvo música grabada de forma autoproducida y absolutamente independiente en dos discos, llamados In Lake’ Ch y 44, imposibles de encontrar en ninguna tienda. Siempre ligados a Baltimore, la ciudad que les vio nacer, apenas giraron por Estados Unidos y jamás traspasaron sus fronteras para llevar más allá su música en directo. De su cuello cuelga una medalla de San Judas, patrón de las causas perdidas. Porque ellos siempre fueron la antítesis del reconocimiento, de lo comercial y lo mediático.

Sólo hay algo que les ayudó a despegar y fue Internet. El instrumento que los falsos artistas, aquellos que se vinculan a un nombre que no les pertenece, desprecian con ignorancia. Gracias a la posibilidad de conseguir su música de forma gratuita se produjo un trueque multitudinario: a cambio de sus canciones, chicos y chicas de todos los rincones del mundo, les entregaron su corazón.

El pasado 8 de febrero, la humilde luz de The Mayan Factor se apagó para siempre. Su cantante y guitarrista, Ray, truncó su vida de forma trágica. El único comunicado, un discreto comentario por parte de la banda en su muro de Facebook, que dice “descansa en paz, Ray. Quizá tu alma al final esté en paz del mismo modo que tu música siempre vivirá”. Los fantasmas finalmente ganaron la batalla y todas las canciones que llevábamos tanto tiempo esperando escuchar, se quedaron en un bello boceto dibujado con lápiz. No habrá homenajes postumos, no habrá placas conmemorativas, no habrá páginas que cuenten lo sucedido, ni tan siquiera en el único medio que les dio amparo.

El único consuelo que nos queda es la inmortalidad de aquellos paisajes que The Mayan Factor, tan magistralmente, eran capaces de trazar, así como los recuerdos que nos vinculan a su historia. El mío es estar en un tren subterráneo, como subterránea es su carrera, con la chica con la que hoy recordaré a Ray y su grupo de Baltimore. Ella me habló de una canción increible. Después introdujo un disco grabado en su viejo discman y juntos compartimos los auriculares. Y así sonaba la canción:

Esta banda de versiones anuncia que cuando cierras los ojos sientes estar frente a los verdaderos Led Zeppelin, pero curiosamente ocurre lo contrario, su imagen y presentación están cuidadas al máximo, sin escatimar en el vestuario barroco de Page, tinte rubio para Plant y peluca para Jonesy, pero su interpretación de las canciones queda lejos del nivel esperado ante tanta expectación.

Cuando las canciones originales están tan cerca de la perfección, enfrentarse a ellas intentando reproducirlas con la mayor fidelidad posible deja al descubierto la complejidad de ejecución de las mismas. El vocalista esquivó hábilmente algunos agudos imposibles, el batería se quedó varias veces sin pegada en mitad de un break y el guitarrista, aunque clavase las notas, no consiguió transmitir con su instrumento la calidez y el sentimiento necesarios.

En el apartado positivo destaca la reproducción exacta de los gestos de la banda madre, los contoneos de Page y los movimientos del pelo y con el micrófono de Plant se los han estudiado a conciencia. ¡Hasta el cantante pone morritos como el bueno de Percy!. También las interpretaciones de ‘Misty Mountain Hop‘ con el bajista a los teclados, ‘Over The Hills And Far Away‘ con sus cambios rítmicos o ‘How Many More Times‘ y su fantástico riff.

Durante ‘Whole Lotta Love‘ introducen varias improvisaciones de las que podemos escuchar en el excelente directo How The West Was Won, incluyendo menciones a James Brown o John Lee Hooker y breves repasos a ‘Let’s Have A Party‘ o ‘Hello Mary Lou‘. Si no te importa el envoltorio y realmente para tí lo importante es la música de Led Zeppelin hay mejores opciones sin salir de Madrid, desde los oficiosamente extintos Zolo Zeppelin a los jóvenes Los Zeppelines. Letz Zep aprueban al ojo pero no al oído, correctos pero muy fríos. Decepcionantes.

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La gente que faltó a esta cita en Madrid se perdió una noche de rock and roll con actitud, de las que se quedan marcadas a fuego y no es para menos a pesar de que nada más llegar a la sala nos lleváramos la desagradable sorpresa de que el voceras de jetboy les dejara a la banda tirados en medio del tour. Estábamos impacientes de ver como el sustituto desconocido hacía su papel y vaya, lo bordó, es más se lo comió con patatas y mostró un derroche de energía verdaderamente bestial, un chute de adrenalina para nuestro cerebro y levantó a las escasas personas que nos reunimos para ver a estos americanos.

Antes pudimos disfrutar de los madrileños Diesel Dogs y no es un secreto que me vuelvan loco, sencillamente me parecen uno de los mejores grupos que hay en nuestro país que van subiendo escalones poco a poco, a pesar de estar en una tierra de sordos como es nuestro país. Salieron a defender su tercer trabajo “Golden Age” que desgranaron bien a gusto. Sonidos de punk rock que se combinan con pinceladas de glam rock y otras fuentes como David Bowie, Kiss, New York Dolls o Damned para dar un resultado muy personal que no se puede encontrar en nuestro país pese a quien pese. Si todavía no los has escuchado deberías de subsanar el error y hacerte con este último trabajo que ha sido producido por Fernando Pardo (Sex Museum, Coronas) y disfrutar del placer de escuchar composiciones como la que da título a su trabajo, “Everybody Talks About the Weather” o “The Assasination of John Doe”, temas que sonaron junto a otras como la contundente “Killing myself for rock and roll” que dio punto final a su actuación junto a la versión de Neil Young “Rocking in a free world”. ¿Hace falta decirte más de esta banda?.

Salieron por fin los americanos Jetboy que demostraron con su actitud ser unos auténticos profesionales y llevar el rock and roll corriendo por sus venas y es que ya podían aprender tantas supuestas “estrellitas” que nos visitan en grandes pabellones, que con todo el morro se permiten llegar tarde a sus conciertos y otras lindezas que se traducen en mear en la cabeza a sus seguidores. Honestidad, brutalidad, simplemente para tocar el cielo con temazos llenos de rock and roll como “Folsom Prison Blues” que voló mi cabeza en mil pedazos, el adictivo “Feel the Shake” lleno de sentimiento y buen hard rock con saborcito a suciedad, y Sleeze Rock.

Una descarga quizás corta pero llena de intensidad donde no faltaron los temas que estábamos deseando escuchar como los citados anteriormente o “Dogs Gotta Roam” que tiene pinceladas a Motley Crue,“Stomp it Down To The Bricks” o “Make Some Noise” junto a dos versiones para rematar la faena, “Nice Boys Don´t Play Rock and Roll” de Rose Tattoo y “Rocking In The Free World” de Neil Young. Fabulosos es decir poco.

Entre tanto guitarrazo de furor metálico, sangre, rabioso punk o tonadas salvajes de sucio garaje rock a uno le gusta tomarse el descanso del guerrero, es decir, relajarse e intentar descubrir nuevas bandas con sonidos diferentes a lo que uno suele escuchar habitualmente. De esta manera me enfrento a los italianos Negrita , desconocidos para la gran mayoría en este país, encontrándome yo entre ellos, laro está, sorprendiendo no sólo a nivel sonoro sino también cuando uno se pone a investigar y descubre la trayectoria del grupo que es de quince años nada más y nada menos equiparándose a bandas como Mano negra que han dejado una huella más que fuerte en la música.

Hablando a nivel musical nos encontramos con un disco rebosante de frescura que es difícil de clasificar pero que al escuchar te va recordando multitud de influencias que se combinan a la perfección para dar un resultado homogéneo y directo que engancha de manera adictiva. Muchos ejemplos podemos citar, desde ‘Mala vida en BS AS‘ que bebe de fuentes como Manu Chao con un sonido muy rockero y guitarrero que en determinados momentos se fusiona con el rock and roll de sabor fronterizo y que da entrada a ‘Soy Taranta‘ que se refleja en el espejo de Mano negra y la música Italiana para hacernos disfrutar al máximo de los sonidos que en el mestizaje se crean en Barcelona.

Pero rebuscando uno se encuentra muchas más cosas que le gustan y que poco a poco va saborendo como son los aires románticos que se mezclan con efluvios jamaicanos de Bob Marley en ‘Giogia Infinita‘ absolutamente delicioso para mirar a los ojos de la persona a la que amas y unirte en un profundo beso o los aires a The Clash en ‘ Il Libro in una Mano, la Bomba nell´altra’ que tiene la letra más combativa siendo una de las que más me gustan. En definitiva una banda a descubrir que sería una verdadera pena que no le echaras una oreja… hazlo, no te arrepentirás. Yo no lo he hecho.

www.myspace.com/inegrita