02. Little Drummer Boy (Christopher Cross)
El villancico ‘The Little Drummer Boy’, también conocido bajo el título de ‘Carol Of The Drum’, es una canción escrita por la pianista Katherine K. Davis en 1941. La compositora se inspiró en una tonadilla tradicional checa. Aun así, sería la versión de Harry Simeone Chorale la que alcanzaría el mayor de los reconocimientos, realizándose desde la misma todo el alubión de versiones futuras que llegarían con el paso de las décadas. Una de ellas es la grabada por Christopher Cross.

03. Rockin’ Around The Christmas Tree (The Boppers)
‘Rockin’ Around The Christmas Tree’ es una canción compuesta por Johnny Marks para que sirviese de puntual villancico en formato single a una todavía desconocida Brenda Lee en 1958. El sello Decca lo editó dos años seguidos pero no conseguía que el tema calase en el público adicto a las canciones navideñas. Sin embargo, a partir de 1960, año en el que Brenda alcanza la fama deseada, el sencillo se convierte en todo un clásico del invierno. The Boppers, un acertado conjunto de rockabilly, se atrevió a rejuvenecer la pieza con mucho estilo.

04. If Every Day Was Like Christmas (Elvis Presley)
El rey Elvis supo estar siempre a la última, listo para inventar modas o agarrarse a ciertos parámetros creativos para darles con su interpretación otro sentido más profundo. Así lo hizo en sus regalos de navidad hechos tonadas. Una de ellas llevaba por título ‘If Every Day Was Like Christmas’, o lo que es lo mismo, si cada día fuese como Navidad.

05. Joy To The World (REO Speedwagon)
‘Joy To The World’ es todo un himno británico bajo la autoría de Isaac Watts, una creación basada en el salmo 98 de la Biblia. La música, sin embargo, se compuso ex profeso para la letra de Watts por el arreglista Lowell Mason en 1839. La influencia de Georg Friedrich Handel, el gran compositor de origen alemán, vuela por toda la creación. Una de las bandas puntales del adult oriented rock de los 80, REO Speedwagon, no pudo evitar rendirse ante tamaño acierto.

06. Little Saint Nick (The Beach Boys)
‘Little Saint Nick’ es un villancico compuesto por los Beach Boys Brian Wilson y Mike Love, primo del primero. La agrupación lo editó cual sencillo en el mes de diciembre de 1963, llegando al puesto número tres del Billboard en cuanto a canciones navideñas se refiere. El Saint Nick al que cantan los Chicos de la Playa no es otro que San Nicolás.

07. Lonely This Christmas (Mud)
Parte de la fama conseguida por Mud en su carrera reside en un single bacilón como pocos: ‘Tiger Feet’. De dicha canción se creó un baile, el tiger feet, con el que acompañar a la banda mientras interpretaba tal jolgorio de tonada sobre los escenarios. La cosa era algo así como una actualización de los pasos de comedieta que Charles Chaplin hiciese ejecutar a aquellos tenedores ensartados en pulgas de pan en La quimera del oro. Sin embargo, cuando llega diciembre, en el Reino Unido sólo quieren escuchar la balada navideña que el conjunto convirtió en uno de los villancicos más radiados de los 70.

08. Maybe This Christmas (Ron Sexsmith)
El público canadiense también tiene sus villancicos preferidos, y uno de ellos es la siguiente canción escogida en esta lista tan particular. El tema se titula ‘Maybe This Christmas’ y está compuesto por el cantautor de Ontario Ron Sexsmith. Él, nacido en 1964, es un creador musical muy inspirado por el estilo de Paul McCartney, Elvis Costello o John Hiatt.

09. Frosty The Snowman (Jan & Dean)
‘Frosty The Snowman’, la historia sobre un muñeco de nieve que cobra vida, es una canción popular pergeñada por Walter “Jack” Rollins y Steve Nelson. Los primeros en grabarla de manera oficial fueron Gene Autry And The Cass County Boys en 1950. Autry pretendía enlazar un nuevo éxito al acierto logrado un año antes al cantar ‘Rudolph The Red-Nosed Reindeer’. Aun así, y respetando aquella primera mirada, yo prefiero escuchar la historia de Frosty de la boca del dueto Jan And Dean.

10. God Rest Ye Merry Gentlemen (Yellowjackets)
Aunque de autor desconocido, ‘God Rest Ye Merry Gentlemen’ fue publicada en 1833 por William B. Sandys. A lo largo del siglo XX la han vuelto a visitar artistas de la talla de Bing Crosby, Perry Como, Nat King Cole, Ella Fitzgerald, Garth Brooks o Neil Diamond, entre otros. Los Yellowjackets nos la presentan en una versión instrumental totalmente jazzística.

11. Scrooge (The Ventures)
The Ventures, uno de los cuartetos que revolucionó la música instrumental en la primera mitad de los años 60 norteamericanos, dedicaron a Mr. Scrooge un desarrollo musical realmente pegadizo. Así homenajeaban la obra de Charles Dickens A Christmas Carol, recordando a su agrio protagonista Ebenizer Scrooge.

12. Deck The Halls (Ted Nugent)
En 1998 sale a la venta el segundo volumen de Merry Axemas, el disco en el que se compilan villancicos instrumentales grabados por los mejores guitarristas de géneros como el hard rock, el blues rock o el jazz fusión. En aquel trabajo, y entre desarrollos musicales interpretados por Stu Hamm, Al Di Meola, Zakk Wilde o Neal Schon, Ted Nugent ataca sin reparos el siempre efectivo ‘Deck The Halls’.

Debido a que la casi totalidad de los temas compilados para este reportaje especial no se encuentran en Youtube, por lo que no podría generar una lista completa por medio de nuestro Mixtape, os ofrezco en su lugar el tracklist completo de lo aquí tratado pero en Spotify: 12 villancicos eléctricos para llegar a 2012

Se paladea aquí la esencia de Hendrix, al igual que Stevie Ray Vaughan parece resucitado para la ocasión. ‘Back To New York City’ es como fundir al genio negro de Seattle de Electric Ladyland con el estribillo del ‘Sharp Dressed Man’ de ZZ Top. ‘Pound Of Flesh’ marca elegancia con unas explosiones de batería y guitarra vibrantes. Homenajea con total coherencia a Leonard Cohen revisando la canción que tituló su disco de 1992 The Future.

‘It’s About You’ atronaría en un estadio con esa agitada pisada a lo Bachman Turner Overdrive, seguida por la balaba blues ‘A Love That Will Not Die’, no exenta de dramatismo contenido. Popa agarra el ‘Jesu, Joy Of Man’s Desiring’, parte más que reconocible de la cantata Herz Und Mund Und Tat Und Leben, BWV 147 compuesta por Johann Sebastian Bach, y retoca un poco su título (‘Jesus, Joy Of Man’s Desire’) en este CD para estirar el talante del rock instrumental y ser fiel al desarrollo principal de la pieza original.

Con las ideas claras, Chubby sigue grabando obras discográficas para acertar. Este nuevo cargador reúne once proyectiles rellenos de un material con alto grado de excitación. La diversión sale de sus dedos a las cuerdas de su guitarra, de ahí a los amplificadores para inyectar ganas de vivir a cualquiera que lo escuche. Con propuestas como la suya, el rock sigue luciendo el más bello abrigo, el de la sinceridad de un artista que se enorgullece de ser músico.

Estamos ante una grabación donde el trabajo instrumental prima, aunque no se niegan a meter algunos textos cantados. Pero, como decía, son los desarrollos de teclados, guitarras, bajo y batería los que erizan el nervio melómano y nos hacen dar un respingo con cada corte listado dentro de este trabajo. Hay modernidad sin desdeñar referencias atmosféricas encantadas de pasearse por la década setentas del siglo pasado. Virtuosos pero sin buscar el fácil alarde, emplean la originalidad para dar sentido a composiciones emocionantes que ponen sobre la mesa algunos de los momentos más apasionados que nos puede dar en este siglo XXI el prog world.

Toni Castarlenas y Ricardo Boya, acompañados por algunos colaboradores, aglutinan en Lights From The Deep una gran sapiencia para experimentar con razones lógicas pero siempre dejando que los sueños ganen la partida final. Excelentes.

Ellos, quinteto que a principios de los 60 se alzaron como la enorme cabeza del movimiento surf estadounidense, parecían estar dispuestos a mudar de piel de una forma casi radical. Aunque el artífice del truco no fue otro que el genio del proyecto Brian Wilson, uno de los compositores más destacados de la cultura pop norteamericana. Él había parido la idea de su Pet Sounds (1966), un salto cualitativo que hasta llegó a avivar las llamas del ingenio de los británicos intocables The Beatles. The Beach Boys estaban en racha y no era momento de desperdiciar el viento para adentrarse en los océanos de la música experimental. Juntando pop con psicodelia y algo del aún en pañales sonido progresivo británico, Brian y el letrista-compositor Van Dyke Parks se prepararon para poner en marcha una obra a la que titularían SMiLE. El disco nacía con la intención de convertirse en una opereta para la década del cambio.

Al final el castillo de naipes se derrumbó y el LP no apareció en las tiendas, aunque Los Chicos de la Playa salvaron los muebles editando Smiley Smile (1967), un álbum que continúa con las ansias de crecer en la psicodelia, aunque lejano al portentoso Pet Sounds. Los pasajes recortados, demasiado abstractos y sin chispa terminarían por apagar el fuego de una hoguera que desaparecía por momentos. Wild Honey se editaría en el mismo año, aunque con un resultado bastante similar. El estilo deja algo de lo psicodélico aunque con un carácter netamente accesible. Un ritmo que ya no podía seguir la cabeza pensante del quinteto, un Brian saturado por su propio mundo de pesadillas, hizo que el grueso de la banda participase más activamente, mostrando con claridad que poco les quedaba por innovar.

Entre Pet Sounds y Smiley Smile sucedería algo electrizante. El 11 de julio de 1966 Capitol Records edita el sencillo ‘Wouldn’t Be Nice’ de The Beach Boys, un precioso medio tiempo cuya cara B no era otra que la magnífica balada ‘God Only Knows’. La pieza de la cara A llegaría al puesto número 8 de las listas de éxitos norteamericana, algo que no le pasaría a su siguiente ‘Good Vibrations’. Esta composición ya no pertenecía a Pet Sounds, era algo nuevo, excitante, tan fresco y psicodélico como pop, un invento que atraparía el primer puesto tanto en su país de origen como en Inglaterra o Australia. Brian Wilson había llevado al límite su concepción de las grabaciones detallistas. Tomando cada parte de los arreglos e instrumentación, incluyendo pistas de voces, como capítulos inicialmente estancos que luego sí se fundirían o ensamblarían en la traca final, Wilson graba en ese insuperable single su mirada al futuro, a los sonidos del cambio. Sinfonía de bolsillo que pertenecería a una ópera en miniatura para el Verano del Amor, una época que se perdió a la postre aquel LP jamás editado, aquel SMiLE.

Brian Wilson declaró en octubre del 66 que estaba dando vida a una sinfonía adolescente para Dios. Y para poder ofrecerle textos apropiados a tamaña hazaña, superando en su intención los logros de Pet Sounds, necesitaba de un nuevo camarada en el estudio. Van Dyke Parks sería el escogido, un talentoso joven que cual compositor se ocuparía de las letras que finalmente completarían las músicas y arreglos salidos del cerebro de Brian. Los experimentos psíquicos que Wilson provocó por medio de intensas sesiones con LSD marcaron de manera incuestionable la estructura que seguiría la obra SMiLE. Un mundo de texturas, detalles, guiños al oyente con tablas y bromas privadas que se comenzó a grabar en agosto de 1966. De una manera poco constante el impulso creativo se mantuvo en marcha hasta los primeros meses del año siguiente. Los retrasos, las dudas, la falta de comprensión ante una obra tan relevante y futurista en métodos, hicieron que tras duros rifirrafes de Brian con su psique y con muchos de los que le rodeaban, el asunto quedase aparcado. No sería hasta 2011 el momento en el que los seguidores de la banda hallarían publicado de manera oficial un álbum ingeniado para cambiar la escena musical poniéndola patas arriba. Nunca es tarde.

Su último disco reúne a cinco de sobra conocidos guitarristas que se sienten en deuda con todo lo que West ha dado a la música y al mundo de las seis cuerdas. Steve Lukather, Slash, Billy F. Gibbons, Joe Bonamassa –que, todo sea dicho, no se pierde ni una últimamente– y Zakk Wilde quieren y se dejan querer por el maestro. Así salen piezas excitantes como ‘Mudflap Mama’, todo pantanos y caimanes domesticados por las manos del ex mástil de Guns N’ Roses.

Bonamassa une sus genuflexiones ante la obra de Willie Dixon con las de Leslie, y así de respetuosa les queda la versión de ‘Third Degree’. Los Beatles se ven perfectamente recordados con un ‘I Feel Fine’ morrocotudo, con cuerpo y buena velocidad. Aunque para inyecciones de vitalidad en pleno corazón ya tienes el primer corte, un ‘One More Drink For The Road’ en el que Lukather unta su estilo como si de mantequilla se tratase.

Con sus acelerones y sus descansos, el blues va entrando en nuestras venas sin apenas percatarnos. La voz de Leslie West domina al oyente y las guitarras nos aprisionan para no dejarnos marchar jamás. Otro acierto de la casa Provogue y, por supuesto, del hombre que cantase a voz en grito aquello de «Mississippi Queen… If you know what I mean».

¡Atención a la escalera de éxitos que nos dejaban los 80 en el campo del rock melódico dominado por las féminas! Arrancando en 1987 nos topamos con las hermanas Wilson, sus Heart y ese ‘Alone’, contenido en el LP Animals. En 1988 aparece Wide Awake In Dreamland de Pat Benatar y su explosiva tonada ‘Lift’em On Up’. Un año después el Heart Of Stone de Cher con su irrepetible ‘Emotional Fire’. Otro pasito y ya pisando 1990 el ‘Love Is A Killer’ perteneciente al Rev It Up de las Vixen nos dejaba de piedra. Todas ellas grandes representantes del movimiento, todas ellas contemporáneas de otra fiera en estas lides, la fundamental Robin Beck. La que arrasara en aquella década cantando para Coca-Cola el jingle ‘First Time’, dejó a la afición sedienta de sus burbujas musicales desde 2003 que editase su entretenido Wonderland. Conocedora del daño que causó su falta ahora nos pregunta insinuante: «Me habéis echado de menos».

De principio a fin este álbum se muestra como uno de los regresos mejor entendidos a la actividad musical. Ya con el arranque de ‘Do You Miss Me’ y la posterior ‘Walk On The Moon’ lo deja claro. En ambas hay grandes similitudes con los días de gloria y fama de Marie Fredriksson y Per Gessle, sobre todo en la segunda de las nombradas. El típico medio tiempo que podría formar parte de aquel Look Sharp o de Joyride. Y aunque parezca mentira y una opción virtualmente imposible, tras dos canciones de factura impecable llega uno de los dos bombones del disco. ‘Your Love Is Tough’ tiene esa esencia que hizo despuntar a Cher en sus días de tigresa de cuero y rock melódico.

Posiblemente la cuarta ‘The Safest Place (I Wanna Be Strong) ’ sea la menos indispensable –que no mala– de esta primera mitad. Y es que no es sencillo eso de ir entre la nata y las guindas. Un paso más y nos hundimos en ‘What About Us’, canción en la que la dulce Beck se pone peleona y saca las garras de la primera Pat Benatar. De ahí hasta el final se puede disfrutar de un disco con mínimas fisuras y muy bien situado en lo que es el adult oriented rock guitarrero del nuevo siglo. Destacar ante todo el delicado trabajo de Steffi Hazan y Nick Savio a las guitarras, montando como tándem un universo realmente personal lleno de texturas y complementos que acolchan la preciosa voz de Robin.

Do You Miss Me es por lo tanto la baza necesaria para que esta dama gane la partida al tiempo y se vuelva a poner de actualidad por todo lo alto. Y no es demasiado difícil cuando se tiene detrás a otros artistas talentosos como Desmond Child o Michael Bolton –jamás entenderé que habiendo sido parte de Blackjack, teniendo algunos LPs superlativos de adult oriented rock firmados bajo su nombre artístico y componiendo canciones para otros tan buenas, grabe esos bodrios que lleva presentando cual solista tras sus días rockeros– pasándote creaciones. Si a esto le añadimos la producción de Fabrizio Grossi (impecable) y el apoyo incondicional de su marido, el gran hombre del hard melódico James Christian (que pone su granito de arena en los coros), ya se ve a Robin saliendo por la puerta grande.

En 1991 se edita en Estados Unidos un disco que daría la vuelta al mundo y serviría de bandera para toda una nueva generación juvenil, el trabajo de Nirvana Nevermind. Del larga duración, segundo en oficialidad, se extraen hasta cuatro sencillos, siendo por muchos considerado como el álbum chupinazo tras el que se empezó a considerar el rock alternativo como grunge. Mientras esto pasaba y una ingente cantidad de novatos se metían en la música esperando sentir la repercusión que gente como Kurt Cobain o Eddie Vedder (Pearl Jam) estaban alcanzando, los últimos defensores de un movimiento llamado al ostracismo por el cambio de miras, como era el adult oriented rock, intentaban nadar y guardar la ropa.

Otros, sin embargo, le pusieron al mal tiempo buena cara, atacando con toda su artillería y hasta superando sus jornadas doradas ochentas. Ahí está Lucky This Time y Jeff Paris para ser una excepción merecedora de genuflexiones y alborozos varios. La realidad es que el sello Now And Then entendió a Paris al demostrarles que todavía quedaban cosas por decir, que ya estaban compuestas pero no habían visto la luz –y si lo habían hecho, fue a través de otros artistas a los que Paris cedió sus creaciones, el caso de Mr. Big–. Wired Up, su LP de 1987, era todo un hijo de su tiempo, pero tenía demasiadas cosas en remojo, demasiados tics e ideas que se quedaron injustamente en el tintero.

Lucky This Time repararía tal error, preparando un conjunto de canciones en las que por los créditos cual compositores-colaboradores pasaban nombres ilustres de la escena hard como Paul Stanley (miembro de Kiss y enamorado del adult oriented rock), Rick “Moon” Calhoun (con el que Jeff Paris había editado Moon Over Paris), Jan Kuehnemund (Vixen) o los anteriormente citados Mr. Big, entre otros. ‘Jump The Gun’, la tonada ideada junto al “Starchild” Stanley, está a medio camino entre ‘Hide Your Heart’ y un éxito de Def Leppard etapa post New Wave Of British Heavy Metal. ‘House On Fire’ se encuentra a la altura de un disco como Bump Ahead de Eric Martin y compañía o ese Trash de Vincent “Alice Cooper” Furnier –no confundir con su coreado en 1989 ‘House Of Fire’–. Hasta tiene arreglos rejuvenecedores desde el acústico para su ‘Matter Of Time’ (ya incluido en Wired Up). En la onda del redondo homónimo de Damn Yankees.

El amante del rock melódico seguro que todavía atesora en su recuerdo el nombre de los Nelson. Esos hermanos norteamericanos que debutaron en el adult oriented rock con un imprescindible After The Rain. Un álbum con doce composiciones, entre las que destacaba su pegadizo ‘(Can’t Live Without Your) Love And Affection’. Pues bien, ahora peguemos un salto de ese 1990 hasta 2003. Aquí paramos y nos topamos con On The Rise, una banda noruega que viene a seguir la estela dejada por Matthew y Gunnar Nelson.

No hay duda, sólo con escuchar ‘Leaps And Bounds’ se dará cuenta del potencial compositivo de la formación de Terje Eide. Canciones frescas, pegadizas, positivas, con una carga rítmica realmente interesante. El paseo que realizamos a lo largo de sus catorce temas nos hace parar en algunos cortes que merecen mención especial (aunque el redondo ya es una joya del género en su totalidad). Algunos buenos ejemplos los hallamos en ‘Lift You Up’, con su arranque guitarrero que termina dando paso a unas melodías penetrantes y que se ve rematado por unos coros realmente trabajados.

El medio tiempo de ‘The World Of Change’ tampoco tiene desperdicio, al igual que su rockera ‘Stay Away’. Sin dejarnos los baladones ‘Keep Your Love Alive’, que bebe sin problemas de los arreglos instrumentales típicos de Neal Schon (Journey), y ‘The Moment’, composición con la que cierran el disco y que está cargada de una preciosista atmósfera clásica. Una obra sonora completa, ya que su producción es algo que también se debe subrayar. Terje Eide y Eirik Gronner se encargan de darle al trabajo un empaque compacto y que será muy satisfactorio para el oyente.

En definitiva, un CD cargado de todo eso que el seguidor del mundo adult oriented rock gusta digerir: voces algo melosas pero que desprenden rabia cuando es necesario, guitarras virtuosas pero que se mueven al ritmo de las composiciones sin hacerse protagonistas de las mismas y unas canciones que tienen la suficiente consistencia en solitario como en el grueso del álbum. Un grupo muy recomendable y que atesora eslabones de unión con Toto, Rick Springfield o los anteriormente nombrados Nelson.

Johnny Burnette. ¡¡A Todo Rock!! no sólo nos descubre la evolución rápida de estos músicos, que pronto partieron peras para funcionar tanto como solistas como trabajando para otros artistas; también hay sitio para descubrir su infancia y, paso a paso de los años, situarles en la escena rock and roll, subrayando la importancia de sus canciones originales o de las versiones que reinventaban y convertían en propias. Nos sumerge así su autor en la relación amor-odio de los hermanos Burnette –en la mayoría de las ocasiones las disputas venían de los celos que trae el liderazgo–, su trabajo de compositores para nombres de la escena fan como Ricky Nelson, sus jaranas con el irrepetible Eddie Cochran y, ante todo, en una corta pero emocionante carrera musical en la que terminarían dejando huella para muchos combos revivalistas de décadas posteriores.

Carlos A. del Bosque complementa su obra de estudio con un capítulo dedicado a la discografía americana de los Burnette, otra sección centrada en lo que podría ser una discografía más selecta y recomendada o trufa el inicio de Johnny Burnette. ¡¡A Todo Rock!! con un emotivo prólogo del miembro de Los Twangs Francho Angás. Y es que, como bien dice Francho, «por encima de razas y creencias, las personas en el mundo se clasifican en dos grandes grupos: los que conocen la música de Johnny Burnette y los que no». Amén, hermano.

Wish You Were Here es una de las genialidades de Pink Floyd, aunque también es uno de los trabajos en los que se empieza a ver al bajista y letrista del grupo, Roger Waters, como una persona que se estaba saturando del invento Floyd –en cierta forma una respuesta a los tira y afloja que se venían produciendo en el seno del cuarteto–. Por eso muchos son los que ven en ‘Have A Cigar’ algo más, ese comentario que hace el personaje de la canción, el ejecutivo de compañía discográfica: “El grupo es fantástico / Eso es lo que realmente pienso / Por cierto, ¿cuál de ellos es Pink?”.

Dentro de la historia de Pink Floyd, y por mucho que pasen los años, Roger Waters siempre será recordado por sintetizar el sinónimo ideal de The Wall. Este músico, visionario como pocos, mostró al mundo en 1979 lo que sólo una minoría llegaría a conseguir en el proceloso mundo de la música experimental: la obra conceptual perfecta. Un Waters tiránico, pomposo, pagado de sí mismo y dispuesto a sembrar la agonía en el estudio de grabación, consiguió lo que pocos esperaban, que no es otra cosa que conjugar con acierto el verbo triunfar, en el presente y en primera persona del singular. Y es así, ya que, mientras para Pink Floyd serviría como escalón seguro sobre el que aposentar sus siguientes publicaciones (The Final Cut o A Momentary Lapse Of Reason), para Roger marcaría su futuro como solista.

Y estas pinceladas son sólo algunos detalles de las dieciséis imborrables instantáneas sónicas que contiene A Foot In The Door. Cierto es que se quedan fuera las piezas del álbum Animals, donde Pink Floyd volvía a los temas de extensión mastodóntica, pero para contrarrestar este grandes éxitos se acerca al ya citado The Final Cut de 1983. Por ello, aunque algunos discos tengan que quedar sin representación, creaciones como ‘See Emily Play’, ‘High Hopes’, ‘The Fletcher Memorial Home’ o ‘Eclipse’ combinan a la perfección con los temas más radiados del combo progresivo. Una compra perfecta con la que hacer un rápido recorrido por algunos de los minutos más emocionantes grabados por Pink Floyd.

Masanori sigue trabajando con el mundo de la imagen. En esta ocasión se encarga de poner música a la serie de anime titulada Queen Millennia. Sobre el grueso compuesto por desarrollos instrumentales destaca ‘Angel Queen‘, tonada en la que participa el guitarrista Steve Lukather (Toto) y la vocalista Dara Sedaka (hija del famoso cantante Neil Sedaka). Cierra 1982 con su Live In Budokan, demostrando que no hay nada mejor que jugar en casa. Esta grabación en directo es casi imposible de encontrar en la actualidad.

Un año después desembarcan en las tiendas Ten-Jiku y Silver Cloud. El primero parecía continuar con la interminable estela de Silk Road. Por ello, y aunque en Estados Unidos se pusiese a la venta bajo el nombre de India, el disco terminó siendo conocido por los seguidores como Silk Road IV. Mientras que en el segundo, Kitaro se deja llevar por una tendencia hacia la tristeza y los dejes más sentimentales. Remarcar de forma anecdótica que en Silver Cloud se contiene una tonada homenaje al actor Umezawa Tomio titulada ‘Dreams Like Yesterday‘. Lo curioso del asunto es que Tomio había realizado su personal revisión del ‘Caravansary‘ perteneciente a Ten-Jiku en su Umezawa Tomio Caravan (1983).

Con 1986 llega Towards The West, trabajo correctamente realizado pero que pronto se hundió en el olvido. No pasaría lo mismo con Tenku, primera grabación para el sello Geffen. Aquí Kitaro se centra en los sintetizadores digitales y comienza a dejar a un lado su reconocido sonido analógico. Dos años antes, en pleno 1984, Live In Asia / Asia Tour Super Live sirve como la promoción ideal para su Silver Cloud. Para la entrada de la nueva década Kitaro ya había dejado huella en los últimos años de los 80 con trabajos como The Light Of The Spirit (1987), obra en la que se contenía la nominada a un Grammy como mejor canción de new age ‘The Field‘, Ten Years (1988), disco doble en el que se vuelven a grabar algunas de sus antiguas joyas, o su participación junto a Philip Glass y Mickey Hart en el proyecto The Gyuto Monks – Freedom Chants From The Roof Of The World. Pero en 1990 el artista presenta uno de sus proyectos más arriesgados: explicar con composiciones musicales la creación de Japón. Kojiki es la perfecta fusión de la música clásica europea con el folclore tradicional japonés.

En 1991 este genio se había sacado de la manga un nuevo trabajo en directo, Live In America, que encontró a su igual en una edición paralela para vídeo. También en 1991 Kitaro grabaría una banda sonora en nuestros días casi olvidada. La película para la que la grabó llevaba por título Shanghai 1920 – Once Upon A Time In Shanghai y los actores protagonistas eran Adrian Pasdar y John Lone. Aunque el largo trata sobre la violencia y los crímenes que se funden con la amistad de los protagonistas, el artista no se salió de las estructuras que ya había mostrado en sus anteriores bandas sonoras.

Pero 1992 traería el primer disco con tonadas cantadas de Kitaro. Jon Anderson, artista que no duda en aliarse con todo creador cargado de ideas frescas que mostrar, se encargó de las voces y realiza una de sus labores más destacadas en este álbum al que se puso por título Dream (en algunos países apareció como Lady Of Dreams). Pero el gran golpe de suerte llega cuando el aclamado director norteamericano Oliver Stone encarga la música de su película Heaven And Earth (1993) a Masanori. Kitaro se luce para sacar lo mejor de sí en una banda sonora que se terminaría ganando un Golden Globe Award 1994.

De 1994 a 1999, y a excepción de alguna grabación original que presenta material lejano al encargo o al arreglo comercial, Kitaro juega a dos bandas. Esas dos áreas de las que se ocupa son de las bandas sonoras para películas y documentales (The Soong Sisters de 1997 y Shikoku Eighty Eight Temples de 1999) y de los trabajos compilatorios de sus propios éxitos, tanto en directo como en estudio (Tokusen II de 1994, Healing Forest de 1998, Noah’s Ark o Best Of Kitaro 2, ambos de 1999). Entre sus creaciones particulares y libres de encargos se encuentra Mandala (1994), primer disco para el sello Domo Records, nominado a un Grammy como mejor álbum de new age, Gaia-Onbashira (1998) o Thinking Of You (1991), que se llevó el Grammy Award 2001 al mejor trabajo de new age. Entre las curiosidades editadas en esos seis años destacar Peace On Earth (1996), su primer disco navideño, Kitaro’s World Of Music Featuring (1996), con dos ediciones en la que se invita en cada una a un instrumentista diferente para acompañar a Takahashi (los músicos fueron Yu Xiao Guang y Nawang Khechog), y Cirque Ingenieux (1997), música de acompañamiento para las galas de dicho grupo circense.

Tanto en 2000 como en 2001, y tras ofrecer en los últimos cinco años gran variedad de obras recopilatorias, Kitaro se centra en continuar con su amor por las creaciones basadas en diferentes pueblos y en su forma de entender la vida. Con Ancient (2000) vuelve a trabajar para NHK en uno de sus documentales, como ya lo hiciera con Shikoku Eighty – Eight Temples (1999), mientras que An Ancient Journey (2001) es una muestra del interés personal del artista por representar en un álbum doble el gran crisol de culturas que pueblan el planeta.

Aunque en 2002 Kitaro continúa con la intención de compilar y mezclar sus clásicos de siempre con nuevas ideas musicales, ya sea con el recopilatorio Asian Cafe, el juego de pasado-presente de Mizu Ni Inori Te o el directo Live In Yikushiji, 2003 devolvería a la escena a un Masanori arriesgado. Sacred Journey of Ku Kai es un álbum conceptual que se centra en la imagen de Kûkai (774-835), creador de la rama musical japonesa del Shingon Shu. Aun así, no todo sería tan revelador, ya que en el mismo año edita Best Of Silk Road y Ninja Scroll, el segundo de ambos significa una nueva incursión en el anime. Una carrera la de Kitaro, como demuestran las dos partes de este monográfico, difícil de igualar.

Brave The Storm seduce con un inicio de teclado frenético, tan endiabladamente estudiado como el de aquel ‘Baba O’Riley’ de The Who, repitiendo una y otra vez unas pocas notas que aturden al oyente; de pronto, una guitarra crea un bucle que agranda el arranque hasta que en quince segundos hace acto de presencia el resto del combo de forma repentina, agarrando por el cuello al estribillo para conseguir una efectista aparición. El disco gira por los surcos de ‘Hold On (To Your Love)’ y los miembros de la formación británica Shy ya han rentabilizado de sobra el privilegio de tener un segundo LP en la calle, al mismo tiempo que se quedan con todas las imaginarias papeletas para ganarse el premio a mejor formación inglesa de adult oriented rock de 1985.

Desde Birmingham, y tras haber actuado como Trojan, Shy encuentra sus bazas características en el teclado sorpresivo de Paddy McKenna, que tira tanto de melodías como de arreglos más sintetizados o parejos al art rock, la guitarra medida de Steve Harris y, ante todo, la característica voz de Tony Mills –durante algún tiempo se le compararía por su técnica con el metálico Geoff Tate de Queensrÿche–. Todo esto hace que una canción como ‘The Hunger’ se desarrolle con grandilocuencia, acertadamente sobreactuada por Mills si hacemos caso a las instrumentaciones que le acompañan, y que ‘Wild, Wild Woman’ estire el sedal de unos coros que podrían haber entrado en el segundo álbum de estudio de Def Leppard, el imprescindible High ‘N’ Dry (1981) con su transición de la New Wave Of British Heavy Metal al rock de melodías señaladas con rotulador fosforescente.

‘My Apollo’, por su parte, transluce la originalidad del tema de apertura citado unas líneas más arriba: conciso pero con ideas nuevas, firme candidato por el adult oriented rock aunque gustoso de canciones cual ‘The Flyer’ de esos Saga canadienses. La afectación de Tony como cantante que se predijese con su debut Once Bitten… Twice… (1983) era dos años después una realidad asimilada con la sapiencia suficiente para sacarle partido y separarse del pelotón.

También conocido como Hard Finish Long Playing, el LP de debut grabado por el cuarteto norteamericano Blackjack para Polygram resulta uno de los ejemplos de libro de cómo se transitó del rock duro al adult oriented rock tomando apuntes de pop elegante. Michael Bolotin –Bolton para los amigos y el mundo de la farándula–, antes de asegurar su cartera editando una retahíla de discos compactos insípidos y para audiencias sin excesivos horizontes fuera de las radiofórmulas, jugaba con estilo en las ligas de ese rock que tendía pasarelas para la comercialidad no exenta de guitarrazos de melena hard y estribillos apostando por la melodía correctamente pergeñada. Sandy Gennaro y Jimmy Haslip constituían la base rítmica del combo, mientras Bruce Kulick comenzaba a oler el éxito en el que pocos años después se bañaría militando para los glam rock Kiss –por aquellas fechas ajustándose a la moda y con otras miras–.

El álbum contiene esa balanza que hace de una publicación musical un tránsito entretenido. Blackjack puede sonar a rock encantado de haberse conocido al igual que tiene la curiosa capacidad de arremeter con unos arreglos potentes que servirán de contrapunto a otros tantos medios tiempos o baladas para nada gratuitas. ‘Love Me Tonight’ es la mejor apertura que se puede escuchar en un disco de este tipo, con un puente fascinante y que nos enmarca en el final del sonido setentas. ‘Heart Of Stone’ es aoriana y previsora de lo que los 80 tenían que exaltar en este campo. Con ‘Fallin’’ buscan un estado de gracia entre los Styx sin excesivos manierismos de farra con Paul Stanley (Kiss), mientras que ‘Without Your Love’ no tarda en sonarle al comprador al ‘Can’t Get Enough’ de Bad Company.

La banda sacaría al mercado Worlds Apart en 1981 antes de partir peras; aun así, Michael Bolton todavía sorprendería con tres lanzamientos de rock melódico supremo antes de salirse por la tangente: Michael Bolton (1983), Everybody’s Crazy (1985) y The Hunger (1987), con miembros de Journey arrimando el hombro en el tercero de los citados.

The Nelsons no era más que una apuesta pop perdidamente ochentas cuando falleció el cantante Ricky Nelson en 1985. Él, uno de los nombres recordados con cariño de la escena del rock & roll en las décadas de los 50 y 60, artista que popularizase el single de Gene Pitney ‘Hello Mary Lou’, había visto cómo sus vástagos formaban aquella bagatela que llevaba su apellido, ejercicio de entrenamiento que sus hijos Gunnar y Matthew cambiarían tras la muerte del progenitor por un tándem con mayor peso en las guitarras. Así termina pisando la calle Nelson y un disco titulado After The Rain.

El territorio escogido, por mucho hard rock que buscasen en los bolsillos, se hacía cultivado y selecto a martillazo amable de adult oriented rock –por aquello de sus coqueteos anteriores con las radiofórmulas–. “(Can’t Live Without Your) Love And Affection” desarrollaba la fuerza de ariete capaz de derribar cualquier puerta de emisora norteamericana en un 1990 que aún no había sufrido el cambio. Su estructura, el estribillo que se pega cual banda de identificación y un complemento vocal tremendamente afinado logran el encanto. ‘More Than Ever’, otro de los imparables, se abre con un a cappella entroncando con otros contemporáneos que en algún instante de sus LPs de rock melódico han gustado de demostrar sus habilidades con las cuerdas vocales.

El ‘Interlude’ que precede a ‘Everywhere I Go’ es romántico al piano, pero sin llegar a los empachos y el barroquismo gratuito del francés Richard Clayderman. ‘After The Rain’ es canción de herencia Paul Stanley en su fluir por los coros, hermana pequeña de un ‘It’s Alright’ incluido en el disco publicado bajo el nombre del miembro de Kiss en 1978 –aunque el StarChild no tenga relación con la tonada título del trabajo de Nelson–. Geffen Records pudo amortizar su inversión sin problemas gracias a este lanzamiento de los “Gemelos Timotei”, como se conocía a la pareja de hermanos.

Con los primeros capítulos el lector queda desconcertado. Dylan da tal cantidad de detalles que parece describiera hechos acaecidos segundos antes de su escritura. Y no únicamente me refiero a datos jugosos de su carrera, ya que Bob es capaz de concretar el libro que leía tal día o la música que escuchaba cierta noche de invierno de hace más de cuarenta años. Recuerda sensaciones y momentos, palabras mínimas salidas de bocas ahora lejanas a este mundo como si hubiesen sido parte de una esencial charla telefónica con la que colgara hace media hora.

El hábil lector sale del estupor una vez descubre con el paso del camino, con la sucesión de letras, palabras y frases, que Dylan es un auténtico cuenta cuentos y lo único que está haciendo es dar al comprador una bellísima postal sobre la que situar todas sus correrías. Al final uno no se siente engañado, todo lo contrario, ya que el agradecimiento a este artista termina ampliándose y cruza las fronteras de su labor como trovador urbano.

Esta obra, primer pergamino de lo que promete ser la auténtica leyenda de un bucanero de nuestros días, se mueve sin orden cronológico, sintiéndose el autor libre para recuperar en la memoria y luego pasar al papel ciertos momentos cruciales de su vida, tanto en lo profesional como en el campo personal. Suficientes satisfacciones nos había dado hasta el momento con sus trabajos discográficos como para ahora defraudarnos contando verdades a medias. Nada de eso, Crónicas es todo lo que los seguidores de Bob Dylan esperábamos, y hasta tal vez un poco más. Aun así, y como suele pasar con el resto de cosas en esta vida, tampoco pecará de meticuloso el que busque respuestas paralelas en otras obras publicadas sobre este gran genio. Al final, quién sabe, lo mismo el mago únicamente nos quiere mostrar un espejismo. A mi entender no creo que a estas alturas eso sea posible para un Dylan que está de vuelta de todo y de poco tiene que avergonzarse.