Hablar en este nuevo año del noveno trabajo discográfico de Lenny Kravitz queda un poco demodé, básicamente porque fue lanzado en Agosto del pasado ejercicio. “Black and white America” (Warner Music, 2011) se erige sobre dieciséis cortes de Funk-Rock bastante interesantes escalando la siempre complicada cima del positivismo, discurso demasiado usado en la actualidad ante un cataclismo neuronal que junto con el panorama socioeconómico ha terminado por mermar las ganas incluso de inmolarse.

¿Realmente es tan crucial que las canciones contengan un mensaje positivo? En el caso del protagonista de este texto parece ser que sí… aunque matizando. “No es algo que yo necesite o que tenga que ser así, pero, sencillamente las canciones son positivas. Es lo que me han transmitido y ciertamente me siento bien transmitiendo ese mensaje. Mi ser se siente bien siendo positivo y optimista, es algo natural en mí”. Referente a este dato pueden funcionar las reglas mnemotécnicas entre la portada del LP con las letras de canciones como ‘Stand’, ‘Boongie drop’, ‘Super Love’ o ‘The faith of a child’, especialmente esta última. “‘Faith of a child’ trata de cómo algunas veces (demasiadas) necesitamos recuperar nuestros valores infantiles, ya sean la magia, la fe, el amor… Cuando somos adultos nos cargamos de muchísimas cosas, vamos con demasiado equipaje, pasamos por experiencias que pueden dañar nuestros deseos innatos, los cuales consisten en amar y ser amados, tener fe y creer en las cosas. La canción habla expresamente de cómo es tener la fe de un niño y serlo. Podemos hacer muchas cosas, podemos amar, podemos estar en paz, podemos tener muchas cosas en nuestra vida, pero solo podremos alcanzarlas si tenemos la fe de un niño”. Explicando además el significado de “Black and white America”. “El título de este disco es algo que refleja perfectamente mi vida; quién soy, cómo crecí, lo que vi y la situación de mis padres, que eran una pareja interracial a principios de los sesenta. También tiene que ver con quienes somos en la actualidad”.

Eso referente al título, pero también tiene su explicación el tema que se titula de igual manera. “La canción está inspirada en un documental que vi, donde aparece un grupo de americanos anclados en sus viejas creencias y en lo que aprendieron. No estaban de acuerdo con el rumbo que había tomado América y porque obviamente no querían tener un presidente afroamericano. Esa gente estaba llena de odio. Llegaban incluso a decir que iban a intentar que ese presidente no viviera mucho tiempo, que iban a tratar de que alguien se ocupara de él y que incluso había planes para ello… ya sabes, ese tipo de cosas”. Concluyendo que “lo que de alguna manera fue un shock para mí, siendo una persona que no piensa en términos de raza, es que haya gente que todavía funcione de esa manera. Yo conozco gente que piensa así, pero escucharlo de esa manera, en la televisión, en ese documental… de alguna forma me bloqueó durante un momento y me hizo pensar. El estribillo de ‘Black and white America’ es una respuesta a ese documental. Las estrofas hablan, una de Martin Luther King y de su misión y su razón de ser, y otra de mis padres y de todo por lo que pasaron”.

Dejando claro esa característica, Kravitz añade: “Mi sensibilidad está por todas partes. Creo que todo empieza por la voz. Si te das cuenta toco todos los instrumentos en un tema, o en la mayoría, así que mi personalidad estará ahí al completo. En realidad se trata de ser yo mismo. La razón por la que uso mucho ese tipo de equipos antiguos no es solo porque que sea genial y romántico utilizarlo, sino por su amplitud y su organicidad. Creo que es muy importante escuchar cómo se transmite la personalidad de los músicos a través de los instrumentos porque el día que escuchas un disco, que es un disco de estudio, y no de un grupo sino de un artista en solitario, puedes escuchar ese disco y escuchar los instrumentos para saber en todo momento que se toca y quien lo toca”.

Mucha culpa de esa personalidad de la que se habla la tiene el estudio que el propio creador tiene en Las Bahamas. “El estudio de grabación se terminó justo antes de empezar este álbum, así que se cumplen dos años. Es el estudio de mis sueños. Lo diseñé exactamente como quería. En realidad se parece mucho a un estudio californiano, digamos, de los años setenta, en cuanto a los materiales y el equipo. Hay mucha madera, corcho y piedra. Hay una gran selección de equipos antiguos: los micrófonos, la consola, los previos, los ecualizadores, una gran colección de guitarras, amplificadores y sintetizadores, teclados y batería. Y el sitio tiene un sonido realmente precioso, así que grabar allí es algo muy fácil”. Pese a que se grabó entre Las Bahamas y París. “Lo que hace especial a Las Bahamas es que la familia de mi madre procede de allí. Me eduqué en ese sitio en distintos momentos, cuando era niño. Digamos que iba y venía. Es un lugar donde me siento de verdad muy cómodo. Vivo en una isla pequeña, en una ciudad pequeña, con poca gente, y se me considera alguien de allí, cosa que agradezco por otro lado. Es muy saludable contar con un lugar donde la gente no proyecta determinadas imágenes sobre uno mismo, imágenes que parten del hecho de que eres famoso y todo eso. Es como estar en casa”.

¿Y cual es el papel que ocupa “la Ville lumière”? “París contrarresta todo eso. En las Bahamas vivo en un trailer en la playa, de forma muy sencilla. Todo consiste simplemente en hacer música, comer en el jardín o en la playa. Cuando voy a París, es justo lo contrario; es la vida urbana y vivo en una casa. Voy allí cuando quiero sentir un aire cosmopolita, cuando quiero ir a los museos y a las galerías de arte, comer buena comida y beber vino, ir a la opera o al ballet. Así que los dos lugares se complementan muy bien porque son los dos extremos que me gustan”. Con total seguridad valdría la pena desplegar un mapa de diversas interpretaciones con el objetivo de entrañar que ciudad ha determinado un punto de apoyo más fuerte en la creación del long-play. “Lo que me aporta París era que, después de haber estado en el campo durante tanto tiempo grabando esta música, podía ir después para escucharla allí, mientras iba en coche o caminando. Esa música que grabé en las Bahamas adquiría de pronto un sentido totalmente diferente para mí. Sonaba de forma distinta al estar en un lugar distinto. También el tono final de lo que había grabado era diferente en París, lo que fui añadiendo a mi música en la capital francesa era distinto, era un tipo de sonido más eléctrico, más urbano. Acabé haciendo muchas mezclas de sintetizador y cosas así”.

Dejando atrás los detalles técnicos y ya que anteriormente se ha desgranado ‘The faith of a child’ o ‘Black and white America’ valdría hablar de ‘Stand’, composición que se ha encargado de llevar la representación del conjunto total. “Es muy especial. Coloqué un tono exageradamente Pop sobre una base Funk. Hay una influencia muy fuerte de The Partridge Family, como se puede comprobar, pues es uno de mis mayores tótems. La canción tiene un acorde de arpa en el centro y es obvio que en muchos de esos viejos temas de The Partridge Family que escuchábamos cuando veíamos la televisión de niños había un acorde de arpa en las sintonías. Aquello me entusiasmaba. Otro punto interesante sobre la canción es que tiene un ritmo funky muy entusiasta, lleno de aire y de diversión. Aunque en sí la canción tiene un mensaje muy serio. Si escuchas la letra verás que habla de perseverar en la vida e ir hacia delante. Sin olvidar que cuando te golpean tienes que levantarte de nuevo y seguir en movimiento a pesar de las adversidades”.

Dos lecturas dentro de una misma canción con una historia detrás: Lenny Kravitz y un amigo, forjando la verdadera historia partiendo desde el origen de su creación como canción. “Trata de un amigo que se quedó paralizado de cintura para abajo. Por desgracia yo no estaba en el mismo lugar donde vive este amigo tan cercano al que considero un hermano, así que quería hacer algo que le transmitiera al menos un empujón de buena energía porque era lo único que podía hacer. Eso o rezar y tratar de transmitir vibraciones positivas. Me decanté por escribirle esta canción, es lo que podía dar en ese momento. Y hoy, gracias a Dios, esta persona ya puede andar, puede volver a caminar sobre sus piernas. De eso trata toda la canción”. Aunque el poso tenga un punto amargo, la esperanza comulga con el espíritu general llegando a plasmarse en el mismo videoclip. “El video es muy divertido, una comedia total. Creo que la gente no se va a dar cuenta, pero en realidad yo interpreto tres personajes en él. Todo está basado en un concurso de televisión muy similar a ‘Let’s make a deal’ (una especie de ‘Un, dos, tres…’ o ‘El precio justo’ en España). Mi abuela lo veía cuando yo era pequeño y el recuerdo se quedó en mi cabeza. Habla de gente que pierde cosas y de cómo se enfrentan a ello, pero de un modo completamente cómico”.

Sin alejarse demasiado del campo de la amistad (aunque esto siguiente sean colaboraciones), otros que se dejan escuchar en este “Black and white America” son Jay-Z y el ya fiel escudero y guitarrista de Kravitz, Craig Ross. Sobre el primero, el músico dice: “Tenía ganas de colaborar con Jay-Z de nuevo porque la propia canción me lo pedía. Quiero decir que no pienso en hacer determinadas cosas solo porque sean ‘cool’ o porque vaya a resultar un gran acontecimiento. Se trata de lo que necesite la canción. Por eso después de grabar ‘Boongie drop’, escuché su voz en el centro de la canción. Me di cuenta de que lo que quería no era un solo de guitarra o cualquier otra cosa, sino que quería tener la voz de Jay ahí mismo. Creo que tenía el carácter que estaba buscando. Así que le llamé, y como es un tipo genial, me dijo que sí”. Cuando toca hablar de Ross, las palabras adoptan mucho más cariño. “Trabajar con Craig Ross es algo hermoso. Ha estado tocando conmigo desde la gira de ‘Mama Said’. Es el único (aparte de mí) que ha estado en todos los álbumes. Lo grande de nuestra relación de trabajo es que no tengo que explicarle nada. Es suficiente con decirle algo muy breve o basta con ponerme a tocar y él sabe inmediatamente por dónde ir y como tocar, sin pisarnos. Actúa siempre como contrapunto a lo que yo toco y también domina muchos estilos, así que podemos movernos de un lado a otro y abarcar un territorio muy amplio. Pienso que Craig es alguien que todavía no ha sido suficientemente valorado. Este tipo es uno de los mejores guitarristas que existen y creo que merece más reconocimiento”.

De todo esto se puede sacar una conclusión clarividente que además juega con ambos colores: el lado blanco del disco (white) con ese tono divertido y cómico con el otro reverso, el negro (black) y las verdaderas historias que se encuentran tras las letras. Visto así puede funcionar como un disco de vinilo, caracterizándose por sus dos caras. Aunque Kravitz comparte esta apreciación, prefiere otorgarle la complejidad de un doble vinilo. “Estilísticamente este disco abarca muchas cosas, aunque todos mis discos son así. Yo quería tocar todos los estilos y todos los sonidos posibles. Ahí queda el resultado final: dieciséis temas en un álbum que, aunque es un solo CD, yo lo veo como un doble álbum, porque yo sigo pensando en términos de vinilo. Es algo que nunca he dejado atrás. Para mí es como si fueran dos vinilos, con cuatro canciones por cara, y lo vamos a sacar así también. Es un disco doble, es lo que necesitaba”.

Dentro de los planes inmediatos del músico de Nueva York se encuentra la gira europea que recorrerá durante la primavera y el verano países como Francia, Alemania, Portugal, Suecia, Noruega, Holanda, Italia y España. “Mis planes para el resto del año son gira, gira y gira. Voy a tener mucho que hacer con este tour. Es algo que tengo muchas ganas de hacer porque hay mucha nueva música que tocar. Va a ser muy funky. Tengo una banda increíblemente buena, incluso te diría que es la banda más potente que he tenido nunca. Ando creando una buena atmósfera para tocar todo con un buen escenario y materiales interactivos. Va a ser potente, va a estar muy bien, y vais a escuchar una gran creación musical”.

Las fechas, información de entradas y recintos se pueden consultar desde ya en la web oficial.

“No quiero una música que me impresione a nivel técnico, sino una música que me conmueva espiritual y emocionalmente”

Dentro de los círculos del rock progresivo, Steven Wilson no necesita presentación alguna, pero conforme se va saliendo de ellos, su nombre se va diluyendo poco a poco. Conocido por muchos como el cantante, guitarrista y líder de Porcupine Tree, este músico británico de 44 años reparte su tiempo entre una multitud de proyectos, desde su colaboración con el israelí Aviv Geffen en Blackfield, hasta el ambient de Bass Communion y los sonidos más experimentales en No-Man. Y aún dedica unas horas libres a ejercer de productor e ingeniero de sonido, lo que le ha llevado a trabajar con Opeth, Anathema y Orphaned Land, así como a remezclar álbumes de grupos clásicos como Jethro Tull, Caravan y King Crimson.

En septiembre Steven Wilson lanzó su segundo disco en solitario, Grace for Drowning, que semanas más tarde le llevó a embarcarse en su primera gira en solitario. Nos reunimos con él horas antes de su concierto en Zoetermeer (Holanda) y allí nos habló sobre las intenciones de su último álbum, su manera de entender la música y su colaboración con el líder de Opeth, Mikael Åkerfeldt, que se editará el próximo abril bajo el nombre de Storm Corrosion.

¿Cómo está resultando llevar al directo un álbum tan complejo como Grace for Drowning?
Está yendo genial. Tengo mucha suerte de tener a músicos muy buenos trabajando conmigo, así que están llevando la música al siguiente nivel, de manera que en directo puede respirar y sonar incluso más viva. Eso es mucho más de lo que podría haber esperado, así que está siendo fantástico.

¿Qué fue lo primero que te inspiró para crear este nuevo álbum? ¿La tarea de remezclar la obra de King Crimson, la intención de devolver el jazz al rock progresivo…?
Esas dos cosas y muchas otras también. Creo que la principal idea de Grace for Drowning era tratar de hacer un álbum que estuviera en muchos sentidos inspirado por la explosión del art rock y lo que ahora llamamos rock progresivo, que creo que es muy diferente a cualquier otra era. Si miras el rock progresivo durante los últimos treinta años, tienes géneros muy extraños como el metal progresivo; tienes grupos como Radiohead y Muse, que son progresivo mainstream; tienes música sinfónica progresiva; pero lo que no hay es ningún elemento de jazz. La única excepción que se me ocurre es The Mars Volta.

Lo que hace diferentes a las bandas de los setenta es que todas tenían bastantes antecedentes en el jazz o en la música clásica, pero tocando música pop o rock por primera vez. Eso les hizo ser verdaderamente únicos, a bandas como King Crimson, Van Der Graaf Generator, Yes, Caravan, Soft Machine… hay mucho jazz en esos grupos y es algo que casi se ha olvidado. En los ochenta con Marillion, en los noventa con Dream Theater, el jazz nunca fue parte de esos grupos. Creo que de alguna manera he intentado rescatar eso.

Pero trabajar en lo de King Crimson también ha sido importante. Además, el hecho de que me haya mudado de la ciudad al campo, por primera vez en veinte años, ha cambiado la forma en que compongo música, todas mis sensaciones a la hora de componer, porque miraba por la ventana y veía árboles, caballos, ríos… Durante años sólo había visto suburbios.

Entonces, ¿crees que la ausencia de influencias de jazz en gran parte del rock progresivo actual puede hacer que suene menos fresco y original?
No creo que lo haga menos original, porque es muy original, pero creo que lo hace más clínico y menos espiritual. La generación original del progresivo era muy orgánica y espiritual con la música, había mucha improvisación y había grandes solistas. Cuando entras en el progresivo moderno, en particular en el género del metal progresivo, con el que se me ha asociado, las bandas empiezan a sonar muy matemáticas en la manera en que hacen la música —e incluyo algunos de mis discos—, muy estructurada y muy brillante, una música muy intelectual, pero no necesariamente con esa cualidad espiritual que tiene el jazz.

Eso es lo que echaba de menos y me doy cuenta de que según me hago mayor quiero más de eso, no quiero una música que me impresione a nivel técnico, sino que quiero una música que me conmueva espiritual y emocionalmente, y creo que es posible tener una buena combinación.

Es como si hubiera una división en el rock progresivo entre los grupos más técnicos y los más emocionales, ¿no? Grupos como Emerson, Lake and Palmer, por un lado, y Genesis, por otro, por ejemplo.
Sí, pero incluso esas dos bandas no están tan lejos como si miras a los dos extremos hoy en día, que tienes a grupos como The Dillinger Escape Plan o música increíblemente técnica, y grupos más influenciados por la parte romántica del sinfónico. Pero creo que la división es muy buena en sí misma, porque significa que el progresivo tiene una gran variedad: bandas como Radiohead por una parte, bandas como Dream Theater por otra. Pero al mismo tiempo ninguna de esas bandas parece tener esa cualidad que les falta, lo que creo que las influencias del jazz les trajeron a aquellas bandas.

El nuevo disco de Opeth es más jazzístico que nunca. ¿Cuáles dirías que son las diferencias y similitudes entre Heritage y Grace for Drowning?
Creo que hay muchas similitudes, no en la superficie, pero sí de una manera más filosófica. Michael [Mikael Åkerfeldt] y yo, es uno de mis mejores amigos, cuando estábamos haciendo estos discos nos tocábamos algunos temas el uno al otro. De alguna manera nos hemos influenciado mutuamente, pero creo que lo que los dos sentimos fue lo que he explicado, que había algo en las bandas originarias, una cualidad orgánica natural que en su caso no podía conseguir con el death metal, metal progresivo o lo que fuera.

Para él ha sido un paso mucho más grande hacer un disco como éste, un cambio realmente grande para él, no tanto para mí. Hemos hecho un disco juntos y ambos pensamos que es como la tercera parte de la trilogía. Todos salen de la misma idea, de la misma filosofía.

En cuanto a esa tercera parte, has dicho que Storm Corrosion será orquestal, con mucha cuerda, canciones largas, casi teatral… ¿Podrías describir un par de temas del álbum, ahora que habéis terminado de grabarlo?
Es difícil describirlo, porque no hay manera de ponerlo en palabras, sobre todo cuando la música, para mi oído, no suena como ninguna otra. Si escuchas Heritage y Grace for Drowning, igual puedes hacerte un poco una idea, pero la música es incluso más etérea quizá, desnuda, orquestal. La razón por la que usé la palabra teatral es porque las canciones casi se despliegan como una película, una representación o un libro. No tienen estructuras convencionales de canciones, las cosas pasan de manera inesperada, casi de forma dramática. Casi como escenas.

Por ejemplo, una canción empieza con un acorde orquestal muy disonante y luego aparece un bello motivo vocal, una guitarra, se unen unos coros… Cosas extrañas sucediendo. Las canciones se desarrollan con instrumentos de viento, muchas guitarras, pero también mucha orquesta, percusión en vez de batería… Hay un poco de batería en el disco, pero sobre todo hay percusión usada de un modo más creativo, en vez de batería estándar de rock. Las letras son muy retorcidas y extrañas, con ambos cantando y bastantes armonías.

La música es muy frágil. No es rock. Si alguien piensa que Heritage y Grace for Drowning no son rock, esto es incluso menos rock. Pronto sacaremos una canción en internet como adelanto. No depende de mí, sino del sello discográfico, pero será probablemente en enero, porque si el disco sale en abril…

¿Habéis pensado en hacer algunos conciertos juntos Mikael Åkerfeldt y tú para presentar el álbum?
No creo que pudiéramos hacerlo, la música es tan orquestal que no sabría cómo. Así que la respuesta creo que sería no, aunque puede que hagamos algo de promoción juntos.

Después de tantos años juntos, la colaboración de Lasse Hoile en Grace for Drowning probablemente no se haya limitado a añadir algunas fotos y vídeos. ¿Cómo ha contribuido él exactamente a este álbum?
Desde que una canción empieza a existir, Lasse es parte del proceso, porque cuando compongo una canción, él es el primero en oírla, literalmente durante las primeras horas después de acabarla. Y le digo: “he compuesto esta canción y tengo en la cabeza una idea de cómo se podría interpretar visualmente”, y él me dice: “sí, sé a lo que te refieres, vamos a intentarlo…”.

Es como que el proceso artístico, la conexión entre el audio y lo visual, comienza casi desde el principio. Así que mientras yo desarrollo una canción, la grabo y colaboran músicos invitados, él está trabajando en el lado visual. De nuevo es difícil articularlo en palabras, pero es como un proceso muy orgánico entre lo visual y la música, desarrollándose juntos desde el principio.

En el progresivo puede percibirse una tensión entre la figura del compositor y la idea de grupo, en casos como el de Robert Fripp, Mikael Åkerfeldt o el tuyo. Es como si en el rock estuviera la banda, en música clásica estuviera el compositor y en el progresivo hubiera una mezcla de ambos.
Sí, pero creo que aun así en el rock hay normalmente una persona. Creo que la idea del compositor está aún muy presente en los grupos. Hay bandas que por ejemplo tratan de presentar que ellos componen juntos, pero no creo que muchas lo hagan. En Genesis, por ejemplo, solían firmar todo juntos, pero si hablas con Steve Hackett, él te dice que Tony Banks componía una canción, Mark Rutherford otra… Creo que es difícil componer música como en un comité, porque nunca consigues una dirección sólida. Lo he intentado con Porcupine Tree, hemos hecho algunas canciones juntos, pero es difícil porque no tienes la pureza de visión como cuando eres una sola persona.

Creo que hay una idea muy romántica asociada a los grupos. A la gente le encantan las bandas, el romance de una banda, la idea de tíos trabajando por un objetivo común, componiendo juntos, viviendo juntos, girando juntos… La gente siempre ha tenido una visión muy romántica, con los Beatles, Led Zeppelin, pero creo que la verdad es que probablemente siempre hay una persona o dos al control del proceso creativo.

Entonces, ¿por qué sacar ahora un disco en solitario en vez de un álbum de Porcupine Tree? ¿Es como si Porcupine Tree se hubiera hecho tan grande que ya no te sientes libre ahí?
No es porque se haya hecho muy grande, sino porque es un grupo. Cuando tienes a cuatro personas en una banda, como nosotros, lo que acabo de decir es verdad, en el sentido de que todavía controlo el proceso compositivo, pero al mismo tiempo no les pediría nunca a las otras personas de la banda tocar una música con la que no disfrutaran, a la que no respondieran. Odiaría estar en el escenario tocando música y sintiendo que los que están ahí conmigo la odian. Hay todavía música que no le pediría tocar a Porcupine Tree. Por ejemplo, hay alguien en Porcupine Tree que odia el jazz, así que nunca le podría haber pedido a tocar al menos un 50 o 60 % de este disco por sus elementos de jazz.

¿Tienes ya alguna idea para el próximo disco de Porcupine Tree? ¿Sabes cuándo empezarás a trabajar en él?
No, no hay nada. Estoy tan en el momento con este proyecto que ni siquiera he pensado en el siguiente paso con Porcupine Tree. En algún momento el año que viene nos juntaremos. No sé cuánto tardaremos, no quiero lanzarlo porque toque hacerlo. Para mí es importante que si grabamos otro álbum, sea una superación, se perciba una evolución, que la banda ha seguido adelante. Puede tardar un año, dos años, tres meses… Todo lo que puedo decir ahora mismo es que habrá un punto en el futuro en que nos juntemos y hagamos un disco, pero no sé cuánto tardaremos, qué sonido tendrá, ni tengo ninguna idea para las letras todavía.

Tus conciertos hoy en día son de los mejores que se pueden ver en el progresivo, porque el sonido y la interpretación son siempre perfectos. ¿Cuál es el secreto para eso?
Desde un punto de vista técnico, Ian Bond, que se encarga del sonido, es uno de los mejores en el negocio. Muchas veces oigo a la gente decir que han visto en una sala determinada a diez grupos y el sonido siempre ha sido horrible, pero que por primera vez fue bueno, y eso es gracias a Ian.

En un nivel más amplio, cuando yo voy a ver grupos, uno de los problemas que tengo con los directos es la falta de dinamismo. Por ejemplo, si vas a ver un grupo de metal, es como que están al máximo todo el tiempo, pero no hay sentido del espacio ni de viaje musical. Una ventaja que creo que tienen las bandas progresivas es que pueden crear ese sentido de viaje musical y de dinamismo. La música parece que está funcionando muy bien en directo y con lo visual están creando ese sentido de que estás como viajando.

Dejas claro que el rock progresivo no es sólo sobre álbumes de estudio.
En el siglo XXI la audiencia suele aburrirse enseguida, miran el teléfono, envían mensajes… Así que para mantener la atención tienes que estar sorprendiéndoles constantemente con algo nuevo. Es difícil hacer eso si eres un grupo de heavy metal o de death metal o cualquier música que sólo tenga un estilo. Pero los grupos progresivos pueden hacer cosas ambient, heavies, jazz, electrónica… y yo lo hago esta noche. Tengo también todo lo visual.

Al final es casi como una actuación teatral, tratar de contar una historia para mantener a la gente presa durante dos horas. Yo no puedo concentrarme en un mismo tipo de música más de unas pocas canciones y creo que a mucha gente le pasa lo mismo. Tienes que seguir sorprendiendo a la gente. Quizá eso es parte del atractivo del concierto también. Creo que éstos son los mejores conciertos que he hecho nunca.

“Fly From Here es una buena base para el futuro próximo de Yes”

A unas semanas del inicio de una gira que pasará por nuestro país nos ponemos en contacto con Alan White, el batería de la histórica banda de rock progresivo Yes. Una conversación telefónica en la que el mítico percusionista fue bastante escueto y evitó mojarse en algunos temas polémicos.

¿Cuál crees que ha sido la acogida generalizada del nuevo disco ‘Fly From Here’?
Muy muy buena, ha gustado mucho, y por eso ahora estamos girando por los países grandes de europa, y luego, por américa.

En realidad las críticas no han sido muy positivas, ¿has podido leer alguna?
No he leído muchas reseñas… sólo algunas y creo que todas esas críticas vienen de los amantes de Jon Anderson (ndr: cantante original de la banda). Este disco yo lo disfruto mucho, y el resto de la banda también.

Comenzáis la gira europea en España, ¿qué imagen tenéis de los aficionados españoles de rock progresivo?
Nos gusta estar en contacto con todos nuestros fans, y en España lo son desde hace mucho tiempo. Esperemos que nos sigan apoyando y que podamos ir (a tocar) siempre que sea económicamente viable. Me gusta España y la gente de España, siempre lo pasamos bien alli.

Este disco contiene material sobrante de la época de “Drama”, de 1980, ¿por qué hacer un disco así?, ¿cuál es tu visión sobre el significado de este disco en la discografía de Yes?
Ese material siempre nos gustó, decidimos que Trevor Horn extendiese la línea argumental y la música, y de esta forma hicimos todo el disco. En esa época solíamos hacer canciones más largas y seguíamos una historia. Creo que este disco es una buena base para el futuro próximo.

¿Grabaréis pronto un disco con contenido cien por cien nuevo?
No lo sé, ahora estamos de gira, el disco acaba de salir y giraremos… no pensamos en un nuevo disco, aunque nosotros estamos escribiendo música constantemente.

¿Por qué sucedió al final que se unió a vosotros Geoff Downes en lugar de Oliver Wakeman, que había hecho la gira del 40 aniversario, para grabar “Fly From Here”?
Oliver lo hizo muy bien en esa gira, pero luego mucho material del disco estaba escrito por Geoff, y eso le trajo de vuelta a Yes. Oliver también toca en el disco, creo que sólo en una canción, el resto lo ha hecho Geoff.

La formación de Yes durante esa gira del 40 aniversario pareció recibir una gran acogida por parte de vuestros fans y funcionó bien, ya con Benoit David en lugar de Jon Anderson y Oliver Wakeman sustituyendo a su padre Rick…
Benoit David venía de una banda de versiones de Yes, y se sabía ya todas las canciones. Su voz se parece a la de Jon pero no tanto como se dice, es una voz diferente. (Sobre el cambio de Oliver por Rick) Son cosas que pasan y nosotros hicimos lo que teníamos que hacer, tocamos ante mucha gente y es un trabajo muy exigente, muy duro.

Benoit David era y es un gran fan de Yes, ¿os pidió tocar alguna canción en particular?, ¿alguna rareza?
Realmente no, además ya sabíamos cual iba a ser el set-list, que lo preparamos entre Geoff y yo.

Una pregunta inevitable, Jon Anderson parece todavía molesto con vosotros por cómo ocurrieron las cosas antes de la gira del 40 aniversario de Yes, ¿crees que tiene razón?
Me llevo bien con Jon, le mando mails, hablamos de vez en cuando… todo empezó porque enfermó y no podía hacer la gira que debíamos hacer. Nosotros no podíamos esperar y entiendo que se enfadase un poco, pero Yes tenía que seguir para adelante y buscamos otro cantante.

Una última pregunta, ¿cómo ves el panorama de nuevos baterías en el mundo del progresivo?, ¿conoces el trabajo de Marco Minemann o Gavin Harrison?
Ahora no hay mucha gente que tenga estilo propio, cada uno tiene que ser uno mismo y tener su propio sonido. Realmente no conozco a ninguno de los dos, no he tenido la oportunidad de conocer su trabajo.

Han pasado ya varios meses desde que sacasteis ‘Concrete Light’. ¿Qué pensáis del disco ahora que tenéis algo más de perspectiva?
Estamos muy contentos, nos gusta más. Siempre que sacas algo nuevo estás más animado, porque de alguna manera es lo nuevo y es lo más especial en ese momento. Son dos discos diferentes y en éste podemos tener menos toques pop que en el primero. A lo mejor se ha vuelto un poco más espacial, porque al haber un cambio de formación [Diego Veiga, cantante y guitarrista original, abandonó el grupo en junio de 2010]… Evidentemente son dos guitarristas diferentes, también era el cantante, ahora me ocupo yo de las voces y es Edu el que se ocupa de la guitarra y tiene otro estilo.

Ya lleváis desde primavera tocando las canciones nuevas, meses antes de que saliera el disco, pero es ahora cuando habláis de gira de presentación del álbum. ¿Qué diferencia va a haber entre aquellos conciertos y los que haréis ahora?
Realmente tampoco estuvimos tocando todo del disco y ahora vamos a tocar casi todo el ‘Concrete Light’ y combinaremos los conciertos con el primer disco que tenemos. Sí que es verdad que muchas veces, si tenemos temas nuevos, lo que intentamos es sacarlos en directo enseguida, para que vayan pillando más consistencia a lo largo del tiempo. Entonces a lo mejor ahora es un buen momento para presentar ‘Concrete Light’, porque ya hemos tocado algunos temas de este disco anteriormente. Ahora mismo van a sonar un pelín diferentes, más seguros también, porque ya los hemos tocado más veces.

Además sois propicios a cambiar los elementos de algunas canciones, porque nunca las dais por acabadas. ¿Algún cambio destacable para los próximos conciertos?
Nosotros creemos que en las horas del local es cuando se sacan más cosas. Yendo horas y horas las canciones van ganando, porque vas probando, van saliendo cosas que pueden quedar bien y la canción va pillando más seguridad. Realmente no habrá grandes cambios. Puede que a lo mejor estén más completos temas como el que cierra el disco, el del sitar, porque cuando fuimos a grabarla, tenía pocos días. Sí que podemos variar algunos sonidos, alargar algunos compases o estructuras más del disco, o incluso acortarlos, porque a lo mejor pensamos que no puede ser efectivo hacerlo en directo de esa manera.

Después de tocar en EE. UU. y varios países de Europa, ¿qué diferencia habéis encontrado entre los conciertos de España y los que habéis hecho en el extranjero? ¿Vivimos en un país musicalmente atrasado?
¿Musicalmente atrasado? Digamos que aquí hay menos cultura de la música como el concepto que se tiene allí. Allí al músico se le trata de otra manera, no como aquí, y controlan bastante de todo tipo de música en general. Hemos tocado en Estados Unidos para todo tipo de públicos. Nos ha tocado tocar en una tienda de discos super pequeña y hemos tocado también en un restaurante italiano en Austin, en el que había mucha gente mayor comiendo. En ese caso estaba tocando una banda rollo a la americana y después íbamos a tocar nosotros y no dábamos un duro porque a la peña le gustase.

Ahí se notó el tipo de cultura que tiene ese país con la música. Fue terminar el concierto y gente mayor, que entendían la música que hacíamos y la valoraban bastante. De verdad, estaban sorprendidos de que hiciéramos esa música, un grupo español. De hecho, un señor mayor nos dijo que de joven intentaba hacer este tipo de música, un poco más concreta y minimalista incluso, y que le hacía ilusión ver a gente que todavía continuaba con esta historia.

Porque vuestra música se inspira en estilos poco arraigados en España, como la psicodelia. Desde los sesenta ya ha llovido mucho, lluvia ácida incluso, y en cambio ahora seguimos hablando de esta música. ¿La psicodelia vuelve a estar de moda?
De moda no sé, pero la verdad es que nosotros siempre hemos escuchado, aparte de psicodelia, un montón de música, pero sí hemos mamado más de la psicodelia de finales de los 60 y de ahí hemos aprendido, yo por lo menos, todo lo que engloba y a lo que te puede llevar investigando desde ahí.

También estáis tratando de mover la psicodelia en España, sobre todo a través de vuestro guitarrista Edu, que ahora organiza el Psych Out Fest…
A través de Giradiscos, de Edu, que es el principal cabeza pensante del sello. Edu intenta siempre traer grupos bastante interesantes y que a lo mejor no tienen la capacidad de mover masas porque a lo mejor no tienen la promoción que de verdad se merecen. Es el rollo underground. En breve empezará a hacer algo de promo del Psych Out Fest [un festival psicodélico que se celebra en Madrid el 27 y 28 de octubre]. A ver si gusta. Yo creo que el cartel es bastante interesante, con Acid Mother Tamples de cabeza, y también la oportunidad de ver a grupos que no se han acercado a Madrid en muchos años.

Algunos os han identificado también con el krautrock y a partir de eso muchos han oído hablar del estilo por primera vez en su vida. ¿Cómo introduciríais a alguien en este estilo de música?
El krautrock, en realidad, es un despectivo que les pusieron a los grupos de rock alemán de finales de los 60, hasta más o menos mediados o finales de los 70. Se trata de la experimentación y de grupos que venían de bases a lo mejor más de rock and roll e incluso gente que venía del jazz o del free jazz también. Se pusieron un poco a investigar y empezaron a utilizar sintetizadores y cosas que en ese momento salieron nuevas, tecnología nueva para crear nuevas atmósferas. Engloba bastantes estilos el krautrock, desde el progresivo hasta el free jazz e incluso el ambient y la electrónica. De ahí salió, de hecho, la electrónica.

¿Qué discos recomendarías de krautrock a alguien que no lo hubiera escuchado nunca?
Hay nombres más conocidos, como pueden ser Faust, Neu! o Can, y empezaría por ahí, por la base de lo que es más conocido dentro del krautrock. Por ejemplo, el primero de Faust [‘Faust’]. Ya no sólo las tres canciones que vienen, que son impresionantes, sino el diseño que tiene ese disco. A mí me recuerda bastante a Zappa, ese tipo de cambios, también con algún tema así con vientos, pero también agarrados al rock.

Para un poco variar a otro tipo de sonido dentro del krautrock, podría ser el primero de Neu! [‘Neu!’], que ya empiezan a meter cacharros, sintetizadores, y un poco a combinarlo con instrumentos que tenían ya de antes, como podían ser guitarras y bajos, pero con bases rítmicas un poco más electrónicas.

Hay varias cosas, por ejemplo cosas más ambientales como Tangerine Dream. El ‘Alpha Centauri’, sería bastante ambiental, que no tendría nada que ver con Faust y con Neu!

‘Tago Mago’ de Can es impresionante, es un doble álbum. El primero puede tirar más hacia al prog y el otro disco que viene, la cara C y D, es un poco más experimental. Ese disco está bastante bien para iniciarse.

Y el space rock, de grupos como Hawkwind, lo identifican como vuestra tercera influencia. ¿Sirve esa fascinación por todo un vasto espacio sin explorar como metáfora de la experimentación musical para un grupo como Lüger?
Sí, la verdad es que Hawkwind es un grupo que hemos escuchado mucho y de ahí que se nos note. Realmente tampoco estamos inventando nada, está claro que somos cinco componentes que nos gusta mucho la música y coleccionamos dentro del estilo de la psicodelia bastantes campos. Y sí que es verdad que el space rock nos ha influenciado bastante y también un poco el rollo industrial, con esas bases rítmicas.

Pero las influencias son musicales. Cosas así de astronomía, constelaciones y todo ese tipo de cosas… pues sí, son curiosas. Yo creo que da mucho juego a la hora de componer, las letras y tal. Son sonidos que te llevan bastante lejos, entonces hace que ese tipo de letras vayan bastante bien con la música.

Grabasteis ‘Concrete Light’ tocando todos simultáneamente y vuestros conciertos son muy vistosos y sobre todo muy enérgicos. Sacaréis el sitar, lleváis a Lopin a la percusión, el volumen altísimo… Está claro que lo vuestro es el directo y así es como mejor se disfruta vuestra música.
Sí, así es. Realmente ésa es la base del grupo, el poder grabar todo en directo, todo lo que se pueda, a lo mejor menos las voces, y luego ya meter algún arreglo más. Lo que nos gusta es tocar y nos preparamos para tocar en directo. Luego cuando vamos a grabar, lo preparamos unos meses antes y vamos al estudio con el tiempo limitado y hay que aprovecharlo. Cuatro o cinco días nos suelen valer, pero con muchas horas. Está claro que nosotros estamos aquí por el directo y es lo que nos gusta.

Lo del volumen… tenemos muy mala hostia tocando todos. Ya la base rítmica es bastante contundente, por lo tanto nosotros tenemos que subirnos también para no quedarnos abajo. Pero también se trata un poco de eso, de sorprender un poco también en el volumen. Se nota bastante la contundencia. Luego sí que intentamos relajar ahí con algún tema un poco más tranquilo que se noten también los contrastes. De la calma al caos, digamos.

¿Más allá de estos conciertos, cuáles son los planes de futuro de Lüger?
Tenemos pensado terminar la gira a lo mejor en noviembre, si sale algo en diciembre… Parar a lo mejor dos o tres meses y poder concentrarnos un poco en hacer temas nuevos y disfrutar del local, porque ahora mismo no tenemos tiempo para estar haciendo cosas nuevas por el hecho de que tenemos muchos conciertos y porque no hemos parado en todo el año de tocar. De hecho, el parón que hicimos para grabar y poco más, porque el resto han sido conciertos, festivales en primavera y verano… Pero no todo ha sido ir a un festival y que hubiera 2000 personas viéndote. La base del grupo ha sido siempre tocar y, si tocamos para diez, lo hacemos igual que para quinientos.

¿Entonces disco dentro de año y medio, dos años?
No nos ponemos metas, porque realmente, al igual que hemos ido al local dos o tres días seguidos y no ha salido nada, hoy por ejemplo hemos ido y ya tenemos casi un tema hecho. Vamos a intentar ver qué pasa en el parón y si vemos que tenemos temas preparados y suficientes para poder grabar, pues los grabamos así. Ojalá sea así. Pero no queremos tampoco agobiarnos, queremos hacer las cosas bien. Como nos salen las cosas, yendo tiempo al local.

En primicia, ¿cómo ha sido el tema que habéis hecho hoy?
La verdad es que es un tema bastante bailable, no es tan oscuro como otros. Tiene otro tipo de cacharro que lleva Mario, un Korg Monopoly, que es un cacharro que tiene nuevo y estamos jugando un poco con él. Es un sinte así antiguo y estamos haciendo cosas nuevas con él. A lo mejor la tocamos en los próximos conciertos, lo estamos pensando. Lo malo es que tenemos que preparar la gira. A lo mejor no está para tocar ya, pero si nos da el punto, no lo descartamos.

Javier Vargas, el guitarrista hispano incandescente vuelve a las andadas con un crossover titulado “VBA“. Una colección de versiones-tótem del blues-rock y del rock and roll trabajadas y labradas mano a mano junto a Tim Bogert, Carmine Appice y Paul Shortino. Un álbum indispensable para todos aquellos amantes de las seis cuerdas y el alma que busquen arder entre el crepitar de las llamas del rock and roll.

¡Cojonudo! Te juntas con Tim Bogert y Carmine Appice, formáis este crossover llamado VBA y lo plasmáis en un disco. ¿Dios os cría y el Diablo os junta?
[Risas] parece que sí.

Pero recordemos que Bogert y Appice siempre han sido de formar tríos: con Jeff Beck, el guitarrista japonés Char y más tarde con Rick Derringer. No estamos hablando de unos cualquiera… ¿Por qué Bogert y Appice y no otros?
Es así. Ellos tienen mucha experiencia en tocar con este tipo de formación. A mi me parecen leyendas vivientes del rock, del blues o de la fusión. Son músicos extraordinarios. También hay muchos más, claro. Es lo que tiene la gloria de la musica, la cantidad de talento y músicos geniales con los que me gustaría tocar.

Y todo vino por la gira del “Live Wire” y por la mano de Tony Tillota, que fue quien sembró. ¿Tan fructífera fue la gira “Live Wire”?
Efectivamente. Además, Tony había trabajado con ellos en Vanilla Fudge.

Además contáis con la voz de Paul Shortino. Si no me equivoco fue Tom Parham (propietario de Hit Track Studio de Las Vegas, donde grabasteis) el que lo propuso. ¿Hubo consenso para cerrar el círculo?
No, en realidad no fue Tom, sino Carmine Appice quien me lo recomendo, ellos tocan juntos en King Cobra.

En la portada aparece su nombre como “featuring Paul Shortino”, pero, ¿por qué no aparece en las siglas?
Me gusto así,no queda mal…

Lo mismo es que –volviendo a lo antes comentado de los tríos- se prefería preservar ese aire en el conjunto.
Efectivamente. Al principio barajamos el que lo cantaran Carmine y Tim, pero apareció Paul y cambió el planteamiento.

Respecto al repertorio; se pensó de manera inicial en componer temas propios, pero debido a tus ganas por hacer un álbum de versiones terminaste por convencer al grupo. ¿Tan claro lo tenías?
Sí. Llevaba muchos años haciendo álbumes con temas propios y la verdad, me seducía mucho la idea de hacer un álbum de versiones con unos músicos tan buenos. Tenía mucha curiosidad por ver como podía quedar.

Mira que un disco con composiciones propias de este súper-grupo sería un gran éxito… ¿de verdad que no se llegó a componer o a grabar nada de vuestra cosecha?
A lo mejor -si Dios quiere- el año que viene puede ocurrir, ya veremos…

Se aprovecha la ocasión para versionar ‘Lady’, ‘You keep me hangin on’, ‘Surrender’ o ‘Tonight is the Night’. Algunas de ellas ya llevaban el sello de Bogert y Appice, como ‘Lady’, ¿Era una forma de darle un lavado de cara o se utilizó porque estaba “más a mano”?
Creo que le hemos aportado el sello de cada uno. No son sólo versiones, pues hemos aportado cosas de nuestra propia cosecha. Eso es lo bueno de tocar temas que te gustan, les metes tu propia energía.

Desde Paul Rodgers hasta AC/DC pasando por Cheap Trick, el álbum se compone de diez cortes. ¿Alguna versión se quedó fuera o en el pensamiento? Así, en un primer momento, se me vienen a la cabeza Johnny Winter, Joe Bonamassa o Satriani.
Johnny Winter me encanta. Es uno de mis favoritos, lo tengo en un pedestal.

¿Y un disco de versiones a los tótems del rhythm and blues o rock hispano como Santana, Pappo, Manal, Bambara Blues Band o Pescado Rabioso? Alejándonos del concepto de aquel tributo al rock argentino (“Espíritu Celeste”).
Podría ser también. ¿Por qué no?

¡Y como no! Uno también se encuentra en el track-list con ‘Parisienne walkways’ de Gary Moore y Phil Lynott. ¿Un homenaje a la figura de Moore?
Efectivamente. Pobre Gary… se fue demasiado pronto. Gary Moore era un guitarrista increíble.

¿Cómo fueron esas sesiones de grabación en Las Vegas? De hecho, con este disco se incluye un DVD que recoge esas sesiones.
La verdad, voy a serte sincero. Fueron muy rápidas, casi no me enteré de lo que grabamos. Fue todo en ocho dias, después cinco más en Memphis para mezclarlo en Ardent y uno mas para masterizarlo. Con músicos de este calibre va todo muy rápido. Aparte que a ellos no les gusta repetir tomas y la verdad que lo entiendo, a mí tampoco.

Sinceramente, ¿siendo un monstruo de cuatro cabezas, os entendíais bien o se les daba muchas vueltas a los temas?
Era súper fácil. Me entendí como si llevara toda la vida con ellos. Increíble. Antes de embarcarme en el viaje tenía mis dudas, pero al llegar se disiparon. Tocar con un baterista como Carmine es gloria bendita.

¡Pero fue grabado en solo ocho días! Si se le daban muchas vueltas a los temas debía ser muy rápido. Eso o que la compenetración entre vosotros era total.
Totalmente. Muchos temas los tocaba con mis partes solistas, incluidas, por ejemplo ‘Parissiene Walkaways’.

Como aliciente está también un CD con once temas en directo de la “Live Wire European Tour 2010”. Me parece excelente, pero, ¿por qué incluir este material en un artefacto –digamos- compartido?
Muy sencillo. Mi gente de Warner me dijo que para las versiones digitales habría que incluir más temas de regalo, como bonus tracks, y me pareció buena idea regalar un live a todos los que compraran el álbum.

Creo que con VBA has cumplido uno de tus sueños de juventud, te has puesto en el lugar de Jeff Beck creando algo similar a lo que hizo Gary Moore en 1994 cuando sacó “Around the next dream” junto a Jack Bruce y Ginger Baker. No se si estarás de acuerdo conmigo.
Un poco sí. Es juntarte con dos leyendas y una de las mejores bases ritmicas de la historia del rock.

“Hay algo de cada uno de nosotros en cada canción”

Muchos supergrupos han surgido en estos últimos años, pero sin ninguna duda, una de la alineaciones más espectaculares la forman Chickenfoot, con Sammy Hagar y Michael Anthony (ambos ex-Van Halen) a la voz y al bajo, Chad Smith (Red Hot Chili Peppers) a las baquetas y el guitarrista Joe Satriani. Tras su debut discográfico en 2009 vuelven a la carga con Chickenfoot III, no se dejen engañar, es sólo su segunda referencia, ¿y por qué titularlo III?, se lo preguntamos directamente al señor Satriani:

Normalmente el tercer álbum es el de confirmación, el que establece el auténtico sonido de una banda, ¿crees que con este segundo disco ya habéis conseguido un sonido propio?
Bueno, lo que hemos intentado es pasarlo bien y hacer la música que más cerca tenemos de nuestros corazones en este momento. Tenemos muchas cosas en común, nuestras raíces, nuestra experiencia… pero formamos un grupo de personas muy peculiar y de juntarnos salió el estilo Chickenfoot.

Entonces, ¿Chickenfoot III muestra el verdadero sonido Chickenfoot?
Así es, suena más a cada uno de nosotros, y eso es muy importante, que el grupo evolucione hacia adelante, que no sea perezoso (risas) y repita el primer disco. Me siento mejor con este disco y creo que es mejor.

¿Cuáles son las diferencias entre el primer disco, Chickenfoot, y este Chickenfoot III?
Hemos sido capaces de hacer algo personal los cuatro miembros, es decir, hay algo de cada uno de nosotros en cada canción. Me gusta la continuidad del material, me gusta mucho más el sonido de la banda, la variedad… creo que es un disco más interesante de escuchar.

¿Eres el compositor principal de las canciones?
Sí, de alguna forma Sammy y yo somos los compositores principales. La mayoría de las veces grabo una demo, se la doy a Sam y él hace la melodía y las letras, luego lo presenta a la banda y todo el mundo contribuye con los arreglos. Así salió casi todo el material, pero también Chad aportó dos canciones y Michael una.

¿Es muy diferente componer para un cantante que para tu propia banda (instrumental)?
Son cosas completamente diferentes, trabajando con Sam le doy un espacio muy amplio para que se inspire. (Sammy) es muy talentoso y prolífico, le gusta probar muchas cosas hasta que encuentra la idea que considera mejor. Así que intento prepararle canciones abiertas para que él explore e investigue.

El productor Mike Fraser es un habitual en tus trabajos, ¿qué tal fue la experiencia con Chickenfoot?
Mike se lleva muy bien con todos lo miembros de la banda, y en los últimos 30 años ha trabajado para todas las bandas importantes, AC/DC, Aerosmith, Metallica… Aporta mucho en un caso como el nuestro, en el que todos tenemos diferentes ideas y realmente funciona, hemos grabado prácticamente en directo. Además de ingeniero y productor es además una gran persona, con él se trabaja muy bien tanto yo sólo con él (se refiere a sus grabaciones en solitario) como con una banda. Es perfecto para que en situaciones como ésta todo el mundo salga contento.

Además de la edición normal del disco vais a lanzar una edición de lujo con 2 CDs, 2 DVDs y una camiseta, ¿esto es para evitar las descargas por internet?
La persona que se encarga de esto siempre nos propone un montón de presentaciones diferentes para el disco. Me encanta la idea, Chickenfoot es diferente, nosotros grabamos la música para nosotros mismos, sin sello discográfico, y cuando terminamos entonces buscamos un socio en la industria musical. Cuando llegamos al sello ya tenemos todo, fotografías, vídeos… todo el concepto ya está trabajado. Es un enfoque muy creativo, fresco y diferente. Así es como nos gusta hacer las cosas.

Otra banda con grandes nombres es Black Country Communion, cuyo sonido es muy británico, ¿es Chickenfoot la cara americana de los supergrupos actuales?
(Piensa unos segundos antes de contestar) Es una pregunta interesante, sólo he escuchado el primer disco de Black Country y no me pareció un sonido especialmente británico o americano, pero la verdad es que es un concepto interesante. Lo que está claro es que son una banda muy creativa que toca la música que les gusta, y probablemente las canciones les salgan de forma tan poco premeditada como a nosotros (risas).

Se ha anunciado una gira este otoño, aunque todavía no hay fechas concretas, ¿tocaréis en europa?
Realmente no va a ser una gira, es un tour promocional con varios programas de televisión, algunos directos, webcasts de internet… todo para preparar la gira mundial que empezaremos en primavera de 2012.

En vuestra gira europea de 2009 se suspendieron varios conciertos, y en alguno de ellos -como el de Madrid- se sospechaba que fue por la pobre venta de entradas…
Me gustaría dejar claro que la razón por la Chickenfoot no tocó en España fue porque Chad Smith tuvo una lesión en el biceps. Tuvimos que cancelar Alemania e Italia casi por completo, una semana entera de conciertos. Además recuerdo que volé a Madrid junto con mi manager el día que se suponía que íbamos a tocar para hablar con el promotor y contarle en persona lo que había pasado. En ese momento ni siquiera sabíamos si el tour iba a continuar, estábamos bastante asustados.

Chad Smith estará ocupado con la gira de Red Hot Chili Peppers y no podrá tocar con vosotros, parece que su sustituto será Kenny Aronoff…
Ya sabíamos que Chad no podría girar con nosotros, Red Hot Chili Peppers llevan parados 4 años, iban a ser dos años de vacaciones pero finalmente han sido 4, y somos afortunados de haber podido hacer dos discos (con Chad). Kenny es fantástico, es amigo de todos y Chad lo recomendó mucho como su sustituto para la gira.

¿Será posible para el siguiente disco de Chickenfoot tener a Chad de vuelta?
Eso está tan lejos en el futuro… ni siquiera lo he pensado. Mi agenda es tan complicada que prefiero pensar sólo en los próximos seis meses (risas).

¿Cómo hacéis para ensayar?, vivís todos relativamente cerca, ¿no?
Ahora mismo todos vivimos en California, en realidad Chad se ha mudado a Nueva York pero ahora que está con Red Hot Chili Peppers eso no importa. Kenny y Michael viven en la zona de Los Ángeles y Sammy y yo vivimos cerca de San Francisco.

Desde 1998 con Crystal Planet, cada año par has publicado un disco de Joe Satriani, entonces ¿podemos esperar otro álbum para 2012?
Creo que será demasiado pronto, grabé un concierto en Montreal que se estrenará en noviembre para los cines en 3D y en febrero del año que viene saldrá la versión en DVD. Hasta dentro de año y medio no creo que saque disco, hasta el principio de 2013… por lo menos.

¿Hay alguna diferencia entre el equipo que usas cuando tocas con tu banda y el que usas con Chickenfoot?
A nivel de amplificadores es lo mismo, en mi última gira y en mis dos últimos discos he estado usando mi nuevo signature Marshall amp, con él se trabaja fantástico tanto en situaciones de estudio como en directo.

Sobre las guitarras, parece que un disco de Chickenfoot suena mejor cuando hay variedad de guitarras, así que siempre utilizo más guitarras cuando estoy con Chickenfoot. Todo lo hago por el color, es habitual añadir cosas que complementen la voz o la melodía principal, así que trabajo con el registro de voces de Sammy y los coros para de esta forma saber si necesito una guitarra brillante, oscura o pesada. Para Chickenfoot y mi último disco en solitario usé un 75% mis guitarras Ibanez y para el restante 25% una mezcla de vintage Fender, Gibson, Rickenbacker… las viejas guitarras que suelo usar siempre para mezclar con las Ibanez y que parece ser una buena fórmula.

También eres conocido como profesor de guitarra, ¿sigues impartiendo clases?
No, no he dado clases en serio desde 1988, Kirk Hammet fue mi último estudiante, luego empecé a girar todo el rato.

¿Qué nuevas bandas o guitarristas has escuchado últimamente?
Tosin Abasi de Animals As Leaders hace cosas increibles, todavía escucho mucha música y mezclo lo antiguo con lo nuevo, escucho Hendrix, Dead Weather, Black Keys, Jack White, Zeppelin… todo eso.

¿Habrá un nuevo álbum o una nueva gira de G3?
Eso espero, hay una oportunidad de que volvamos a hacer algo antes de que vuelva con Chickenfoot en primavera, pero todavía es pronto para saberlo.

El forajido del punk rock y líder de The Supersuckers, visitará España cuando el sol de Agosto comience a descender. Tiene balas suficientes en la recámara. La primera, “Sundowner” (Bloodshoot Records, 2011), será el primer disparo. Este último disco no inventa nada nuevo, versiones en tono country, pero con mucha arena y actitud de por medio. Con “The Sauce” (Mid-Fi Recordings, 2003) dejó tocado a más de uno, pero remató con el siguiente trabajo en solitario, “Old No.2” (Mid-Fi Recordings, 2005). Para batirte en duelo con él deberás tener en cuenta las siguientes fechas:
26 de Agosto – Kafe Antzonki (Bilbao)
27 de Agosto – Gruta 77 (Madrid)
28 de Agosto – Valhalla Rock Bar (Barcelona).
Yo de ti… no me lo perdería.

Tras seis años aparece tu tercer trabajo. ¿Se puede decir que a la tercera va la vencida?
Pues tengo mucha suerte. Me siento afortunado de estar en este momento Bloodshoot Records y de tener la oportunidad de hacer las canciones que me encantan. Hay muchas ganas de que llegue el disco número cuatro, tengo un montón de temas originales para hacer uno disco.

Además eso, debutas con el sello Bloodshoot Records donde hay gente como Ben Weaver, Justin Townes Earle, Ha Ha Tonka, Jon Rauhouse o Exene Cervenka. ¿Estando por primera vez en este sello quieres hacer algo distinto en el futuro?
Eso es lo que hago. Quiero hacer un montón de cosas a ser diferente en este negocio para tener un sabio futuro. Voy a disfrutar de este paseo con Bloodshoot Records, siempre y cuando pueda. Sé que me quedo en buena compañía.

Y es a lo que vamos. La fórmula sigue siendo la misma, es decir, un claro acento country con una mezcla de composiciones propias y versiones tan apropiadas que van desde Del Reeves, Johnny Cash, The Dwarves, Lee Harvey Oswald Band o Steve Earle. Tengo que decir que es una colección excelente. ¿Se han quedado otras fuera de este disco?
Sí, siempre hay unas pocas canciones que no salen. Tengo que dejar fuera algunos que parecen estar fuera de lugar, todo tiene una ambiente y trato de ir solo con ella. Me gusta ir un poco por todos los caminos posibles, pero hay una planificación ya definida.

Destaco ‘Where do I go?’, con tu hijo Quattro como “colaboración especial”. No es la primera vez que canta en un disco tuyo. ¿Tratando de meterle en la sangre el “veneno” del rock and roll?
Me gustaría, en cierto modo, que tome ese veneno. Es algo con lo que se nace. Este chico sólo tiene algo y quiero darle una salida. Al principio lo hice porque era divertido tenerlo en el estudio, pero ahora tiene la edad suficiente para querer estar allí. Incluso él viene con su propio material. Subió al escenario en mi última noche en Londres y tocó ‘Lazy Day’, su más reciente éxito.

Fíjate, pienso que en el rock sureño o en el country la familia es mucho más importante que lo puede ser en otros estilos más individualistas. Me vienen a la cabeza The Carter Family o Lynyrd Skynyrd. ¿Sin duda la familia es un tótem en tu música?
Así es. Antes yo estaba casado y tenía hijos, todo era diferente, pero como la mayoría de la gente evolucioné. De todos modos, creo que las cosas están mejor por eso. Algunos pueden decir que me he ablandado, pero quiero llegar a viejo con mi familia y mi música.

Suena Steve Earle en ‘If you fall in love’, ‘What Do I Care’ de Johnny Cash… ¡Te atreves con ‘Always in my mind’ popularizada por Elvis Presley y Willie Nelson! ¿Hay canciones que te infundan más respeto que otras?
Por supuesto. Creo que hay algunos artistas por ahí que están en otra división. Siempre lo ha sido y siempre lo será. Pero siempre voy a escuchar y tocar las canciones.

Y añadiría. Es obvio el respeto con el que las cantas, pero ¿temes que algún artista de los que versionas pueda darte una opinión negativa respecto a la versión? Personalmente, versionar a Dylan, Elvis o Dean Martin tiene que imponer.
Bueno, muchos de ellos están todos muertos, pero creo que están muy bien. Todo es por amor.

Y hablando de Dean Martin. Tocas ‘Party, dolls and wine’ pero es un estilo alejado del country y del rock sureño. ¿Encajaba más en ese estilo por la letra de esa canción?
Su versión será siempre mejor que la mía, pero una buena canción se puede tocar en cualquier estilo. Hands down, that’s my rule.

Veo que hay cierto paralelismo entre tú y Mike Ness, pues ambos habéis decidido en un momento dado oxigenarse con discos en solitario cuando vuestras bandas parecían algo estancadas. Me parece una postura muy inteligente. ¿Crees que hay que tomarse un tiempo para volver con más ganas?
Es lo que hago. Tengo que dejar un tiempo necesario para dar a los chicos un descanso, y después, cuando las canciones están ahí, ya estaremos listos para volver al estudio. Hemos tenido un par de años difíciles, pero esto es así y no importa lo mucho que me cueste admitirlo, esto es un negocio y yo no iré a ningún lado.

Es más, creo que tú carrera no esta lo suficientemente valorada por la crítica debido a que no hay composiciones propias y por la corta duración que tienen los discos. ¿Qué opinión tienes acerca de esto?
Si me importasen las críticas, habría dejado de hacer esto hace veinte años.

¿Es posible que esto sea un simple divertimento al margen de The Supersuckers?
Diría que es un salvavidas para mí. Quiero tener mi parte del pastel y comérmelo también. Hasta ahora, todo ha ido bien.

¡Ojo! Me resulta gratificante escucharte haciendo versiones en tono country. Sin duda me parece algo valiente por otro lado.
Las versiones son fáciles y divertidas. Pero yo soy mucho más lento y se están convirtiendo en mis propias canciones, probablemente porque tienen una vida de verdad. Soy un hombre de familia en primer lugar, por lo que la música es lo que hago y no siempre es lo que soy.

Hay tres temas propios y nueve versiones. En tus discos anteriores en solitario se repetía. La pregunta es evidente. ¿Por qué no te has atrevido a hacer todavía un disco con composiciones propias?
¿¿¿Quieres atreverte a escribir mis propias canciones??? En el próximo disco en solitario no habrá covers.

El mítico teclista, miembro de formaciones inolvidables como The Nice y los inolvidables y legendarios Emerson, Lake & Palmer, banda fundamental para comprender el género del rock progresivo, concedió una entrevista a Musicopolis, y en colaboración con Portal Esquizofrenia pudimos preguntarle por su pasado, presente y futuro. Éstas fueron sus respuestas, en las que confirmó que Emerson, Lake & Palmer es un proyecto prácticamente muerto al día de hoy, aunque no olvidado del todo…

- Keith, antes que nada, queríamos decirte que para nosotros es un honor tenerte en esta entrevista.
- Gracias Amigas y amigos. La próxima vez no llevéis en España camisetas de los Moody Blues.

- Muchos seguidores de tu música están preocupados por tu estado de salud tras una complicada intervención quirúrgica. ¿Cómo se encuentra ahora como músico y también en lo puramente personal?
Antes que nada, agradezco mucho su preocupación. Tras una colonoscopia de rutina me hallaron un pólipo que tenía mal aspecto y tuvieron que analizarlo. Pensé que sería un procedimiento muy sencillo y que estaría fuera del hospital en dos días. Pero durante la operación se descubrió que en el colon inferior había diverticulosis y tuvo que ser intervenido. El problema ocurrió después: las dos mitades del colon no se adhirieron bien y provocaron una hemorragia interna. Tras tres transfusiones de sangre volví a quirófano como urgencia y estuve cerca de morir… Me costó un tiempo recuperarme de todas las operaciones y contraje también una neumonía. De todos modos, me hicieron una resonancia magnética y un montón de otras pruebas hace unos meses y ahora todo está bien. En estos momentos eso ha pasado y hay muchas opciones de futuro y estoy muy prolífico. Hay un gran proyecto en mente pero por ahora no puedo entrar en detalles. Eso sí, para evitar especulaciones, no tiene que ver con ELP.

- ¿Habrá alguna gira más o colaboraciones con Greg Lake?
No está en mente. La gira en forma de dúo fue diseñada como preludio del reencuentro en el festival High Voltage de Londres de 2010. Lo que iba a suceder después fueron todo especulaciones precipitadas.

- Su última gran actuación fue la del concierto que hizo con EL&P en el festival londinense High Voltage este pasado verano. ¿En que consistió su preparación para llegar tan en forma?
Ensayamos durante un mes, pero la mayor parte de ese tiempo se dedicó a debatir sobre la producción.

- ¿Habrá más reuniones como ésa?
Es poco probable.

- Pocos critican reuniones como la suya, sin embargo la opinión generalizada ante este tipo de reencuentros de grupos clásicos suelen ser adversas. ¿Qué les dirías a los que comentaron que lo hacían por el dinero y por volver a salir en los grandes carteles?
Probablemente tengan razón sobre el aspecto de dinero, pero hay que entender que una banda como ELP tiene la obligación de deberse antes que nada a su público. Después vienen todos los contables, abogados, gerentes y personal, etc. La banda tiene la suerte de mantenerse al margen. Por lo general, al menos en mi caso, los posibles beneficios los invierto en proyectos futuros.

- ¿Entiende la actitud y la postura de Carl Palmer al no querer continuar con el proyecto de EL&P?
¡Por supuesto! Pero todos vamos a seguir teniendo un interés en la ELP, independientemente de que haya o no más conciertos.

- Parece que se ha hecho cuestión ya de fe que ahora los nuevos grupos lo tienen imposible, que las discográficas apenas pueden apostar por ellos porque son mucho y la piratería ha destrozado el mercado… pero cualquiera que conozca la biografía de formaciones como EL&P sabe que ustedes lo tuvieron igual o incluso más complicado. ¿Qué opinión le merece esta comparativa de tiempos?
Pues la verdad, creo que ahora estamos de vuelta en la época medieval, donde el músico viaja, va de taberna en taberna, jugando y vendiendo su música.

- ¿Se hace ahora mejor rock progresivo, peor… o es tan sólo una copia de entonces?
Yo realmente no sé mucho acerca del progresivo. Nunca fue un nombre que se utilizara en los años 70. Siempre habrá músicos que exploren nuevas vías, eso seguro…

- ¿Qué opinión le merece la versión del ‘Tarkus’ hecha por el teclista de Dream Theater Jordan Rudess en su disco de versiones de clásicos del rock del año 2007?
Siempre es un honor que los buenos músicos toquen tus temas y Jordan es, sin duda, uno de los mejores. También me siento muy honrado de que la Filarmónica de Tokio haya grabado y actuado en la versión orquestal.

- Hablemos de tu momento actual: hace poco lanzaste el directo que grabaste con tu banda, la Keith Emerson Band, con la participación del guitarrista Marc Bonilla. Se llama ‘Moscow’ y también se corresponde al verano de 2010, como el concierto del High Voltage. ¿Qué diferencias hay cuando trabajas en tu banda y cuando lo hiciste para EL&P?
Pues, principalmente, que las cosas se hacen más fluidas.

- En ‘Moscow’ rememoras clásicos de ELP pero están algo retocados con sonidos más guitarreros y épicos. ¿Cómo fue la conversión?
Pues por ejemplo, la versión de ‘Nutrocker’ fue idea de Marcos. En general… ¿por qué íbamos a seguir tocando todo igual? Quería poner una nueva energía en todo ello.

- Quien haya seguido con admiración tu carrera en estos más de 40 años sabe que vuestro debut en los escenarios fue muy complicado por las altas expectativas que estaban puestas en vosotros tres, el primer supergrupo de rock verdaderamente potente. ¿Puede compararse algo actual a la emoción y a la tensión que sentiste por entonces?
La verdad es que creo que ninguno de nosotros estuviéramos tan presionados al comienzo del grupo. Digamos que nadie sabía qué esperar por entonces, excepto que era un riesgo. Pero al final todo justifica que valía la pena arriesgarse.

- Estamos terminando, Keith. Nos gustaría saber qué nuevas bandas y qué teclistas has conocido en los últimos años y cuáles recomendarías al gran público.
Bueno, en términos generales, hay mucho talento por descubrir ahí fuera. Les deseo toda la suerte.

- Un placer haber podido conversar contigo Keith. Para el público progresivo eres una leyenda viva del rock más precioso que se haya hecho jamás.
El placer es mío, fue un gusto hablar con vosotros.

Pendragon está en su mejor momento: aunque el mito se comenzó a fraguar en los años 80 y nunca estuvo apartado del reconocimiento dentro del sector del rock progresivo en los 90, ha sido en estos últimos años cuando vive su mejor época en cuanto a buenas referencias de crítica y acogida de público. En 2008 su disco ‘Pure’ barrió literalmente entre el público progresivo y metalero y con ‘Passion’, el álbum que acaban de presentar en abril de este 2011, han certificado la cálida acogida del público progresivo. Han recorrido prácticamente toda Europa entre grandes audiencias y tras su paso por Madrid, PortalEsquizofrenia entrevista a su teclista Clive Nolan, uno de los miembros fundadores e intocables en el grupo liderado por Nick Barrett. El teclista de la banda, que también habló de su otro grupo, Arena, confirma que habrá DVD de la presente gira de Pendragon con material renovado.

- Tras el impulso, a nivel de crítica, que supuso ‘Pure’, ¿cuáles son las expectativas que tenéis con respecto al disco que acaba de salir al mercado, ‘Passion’?

- Pendragon (Clive Nolan): Las expectativas deben ser siempre hacerlo mejor que el anterior trabajo y creo que es exactamente lo que hemos hecho. Las reacciones que estamos teniendo en los conciertos están siendo extraordinarias, especialmente con el nuevo material. Además, las ventas están yendo realmente bien y las críticas están siendo realmente buenas. Sin duda que, de momento, parece que ‘Passion’ es un paso adelante.

- La primera impresión, una vez escuchado ‘Passion’, es que presenta novedades sustanciosas con respecto a ‘Pure’. Si bien sigue su senda, puede decirse que es diferente. ¿Es ésa vuestra impresión?

Con ‘Pure’ iniciamos un camino en una dirección muy concreta que ‘Passion’ ha continuado, pero que sigue siendo un desarrollo de ‘Pure’. Un gran desarrollo, en mi opinión.

- ¿Podrías hablarnos un poco sobre el proceso compositivo de este nuevo álbum?

Esto se lo deberíais preguntar a Nick [Nick Barrett], porque yo no he estado involucrado en la escritura del material de Pendragon. Como sabéis, sí lo hago para Arena y otros proyectos. En Pendragon soy sólo teclista y dejo a Nick la mayor parte del trabajo, para después desarrollar los teclados a posteriori.

- Esto es algo realmente extraño, dado que compones la mayor parte de los temas de Arena…

Sí, yo escribo todos los temas de Arena… bueno, al menos la mayor parte de ellos. Éste es el motivo por el cual trabajo en diferentes proyectos como Caamora, Shadowland y otros proyectos, por lo que para cualquier pregunta sobre la parte compositiva del proceso en Pendragon, debéis dirigiros a Nick.

- Sobre la portada del nuevo álbum, ¿cuál fue el motivo del cambio en el estilo? En el diseño previo que se mostró a los medios había dos lenguas que unían a las estatuillas que aparecen, pero fueron sustituidas por un haz de luz…

Cambiamos ya en ‘Pure’, hallamos un artista de una compañía, Kee Ilustrations, con buenas ilustraciones. Simplemente nos decantamos por que aportara un sentimiento diferente, un sabor diferente, y lo hicimos de nuevo, y también dejamos que pasara en ‘Passion’ para seguir con este nuevo ‘sabor’. Realmente me gusta, me encanta la portada del ‘Passion’, realmente todo lo que rodea a este disco, creo que es fantástico…

– Pero… ¿cuál es el significado de las líneas eléctricas que aparecen en la portada?

La posible conexión entre las personas, quizá espiritual… o física.

- ¿Cómo han ido los ‘MegaDaze Weekends’ (encuentros con los fans en Reino Unido y Holanda)? ¿Han sido todo lo buenos que esperabais?

Pasamos unos muy buenos momentos, hicimos uno en Reino Unido y otro en Europa. Es un tipo de proceso completamente diferente, tocamos un montón de música… Fueron dos conciertos, así que hicimos música mucho más cercana a los fans, es una oportunidad para sentarse alrededor, tomando una copa, realizar preguntas y quedarse colgado con la gente durante dos días. Es genial y muy bonito.

- ¿Serán ya una cita fija anual, o algo puntual a celebrar cada cierto tiempo?

No lo sé seguro, posiblemente con un nuevo álbum puede que repitamos en Reino Unido, pero en Europa… puede ser.

- Habéis anunciado que en vuestro ‘Passion Tour’, nuevamente grabaréis un DVD. Teniendo en cuenta que ‘Concerto Maximo’ apareció hace no mucho tiempo, ¿qué novedades planeáis incluir? ¿Se tratará de un show especial?

Estamos trabajando realmente duro en esto, lanzaremos dos DVD conjuntos esta vez y os puedo asegurar que la mayor parte de su contenido, será inédito. Sobre el 80% del material incluido no se encontrará en ningún otro DVD. Obviamente, tocaremos algo del ‘Passion’, pero también, por ejemplo, incluiremos ‘Comatose’ [del disco 'Pure'] que no ha sido incluido previamente en ningún otro DVD.

- Hablando de tu banda, Arena… ¿podrías contarnos un poco los porqués de la salida de Rob Sowden, vuestro ex vocalista?

Veréis… cuando comenzamos a escribir el nuevo álbum, no llevaba la dirección en la que queríamos ir y decidimos dejarlo, porque queríamos mantener ese punto de sonido heavy y rockero… quizás incluso mayor. Yo, en cambio, quería traer cambiar algunos elementos, quería traer algo un poco más gótico, algunos elementos de bandas como Within Temptation o Nightwish, y no era la dirección que estábamos llevando. No hubo una gran discusión, ni una pelea, ni nada parecido. Simplemente acordamos que era el momento de tomar caminos diferentes. Eso es todo. Cosas que pasan, cosas que pasan…

- Arena también acaba de anunciar el reemplazo de Ian Salmon por John Jowitt. Tras 10 años como bajista de Arena, ¿qué ha sido lo que ha motivado su salida? ¿Continúas tu relación con Ian?

Sí. De nuevo es algo que básicamente lo sabía desde hace tiempo, porque Arena no era lo que él deseaba hacer. Él se está convirtiendo últimamente más en un músico de jazz. Pasado un tiempo en que estuve empujando a la banda a tirar en la misma dirección, simplemente pensé que era el momento de hacer cambios antes de elaborar el siguiente álbum. E insisto: no hubo horribles discusiones, o algo desagradable. De hecho, Ian seguirá trabajando y colaborando en algunos aspectos con la banda, y no es descartable que participe de nuevo en el futuro, tanto en estudio como en directo. Sólo era el momento correcto para hacer algo por el bien de Arena. Fue justo cuando John Jowitt había abandonado IQ y necesitaba una banda. John siempre fue una parte importante del grupo, así que era el paso lógico. ¿Vale esta explicación? [Nolan expresaba que el tema le incomodaba]. Recordaros asimismo que el nuevo disco de Arena estará disponible en noviembre y que estaremos de gira desde ese mes. Además, estamos haciendo todo lo posible por encontrar el modo de incluir a España entre las citas de esta gira, al menos en un concierto. Lo intentaremos.

- Gracias Clive, un honor contar con tus palabras.

Gracias a vosotros, nos vemos de gira.

Web oficial: www.clivenolan.net

y…

Web oficial: www.pendragon.mu

“Los nuevos efectos visuales en 3D fueron desarrollados para nosotros en Hollywood”

The Australian Pink Floyd Show llevan más de 20 años interpretando las canciones del grupo de rock progresivo más grande del mundo. Dimos buena cuenta de sus últimas paradas por nuestro país, tanto cuando ofrecieron íntegramente The Wall como cuando presentaron un repertorio variado de los ingleses. Nos ponemos en contacto con Colin Wilson, encargado del bajo y las voces.

Ahora mismo están de moda las bandas de versiones, ¿cuándo y por qué empezasteis a tocar Pink Floyd?
The Australian Pink Floyd Show nacimos a finales de los 80, éramos fans de Pink Floyd y queríamos ver si era posible recrear el “sonido Pink Floyd”.

En los últimos años TAPFS ha actuado en España con sus shows “The Wall in its entirety”, tocando el disco The Wall, y en la última ocasión con un remedo de grande éxitos, ¿qué podemos esperar de vuestra próxima visita en abril?
Ahora nosotros traemos un espectáculo todavía más grande, con todos los grandes éxitos y algunas sorpresas. Este año tenemos más luces, más muñecos inflables, lásers, sonido cuadrofónico y nuevos efectos visuales en 3D.

En vuestros próximos show en Madrid tocaréis en un recinto con casi 3000 personas de pie, en lugar del habitual local con el público sentado, ¿para qué tipo de público preferís tocar?
Todas las salas de conciertos tienen su propio ambiente, así que, sentados o de pie, todo nos parece bien. Nuestros espectáculos parecen funcionar sea cuál sea el tamaño o el formato del sitio donde tocamos.

TAPFS sois bien conocidos por cuidar todos los detalles, especialmente el lado visual del espectáculo, con un montón de vídeos llenos de divertidas referencias a Australia, ¿empleáis mucho tiempo en esos temas?
¡Claro!, los nuevos efectos visuales en 3D fueron desarrollados para nosotros en Hollywood. La verdad es que somos la primera banda del mundo en salir de gira con este tipo de visuales estereoscópicos en 3D.

¿Qué opinas del nuevo espectáculo de Roger Waters de The Wall?
Todavía no he tenido la oportunidad de verlo, pero espero hacerlo, seguro que será increíble.

¿Cuál es tu miembro favorito de Pink Floyd?
¡¡Me gustan todos!!.

¿Y tu disco favorito?
Pues probablemente Animals.

“Internet y los fans se juntaron para pedirnos que volviésemos.”

La banda inglesa de rock Skunk Anansie visitó Madrid hace unas semanas, ofrecieron un gran concierto y Musicópolis aprovechó para charlar con su bajista Richard Keith Lewis “Cass” acerca de Wonderlustre, el nuevo trabajo de la banda, y los motivos de su reciente reunión.

Skunk Anansie estuvisteis separados durante casi diez años, ¿qué hizo que os volvierais a juntar?
Fueron varias cosas, primeramente cuando acabamos de trabajar juntos en 2001 ya teníamos un recorrido, un camino hecho, y ya entonces se pensó en sacar un recopilatorio de grandes éxitos. En 2009 la compañía quiso editar un disco de este tipo y nosotros nos juntamos para colaborar, para darle un aporte extra, que serían las nuevas canciones. De esta forma no es el típico recopilatorio de discográfica que acaba en las cajas de saldos.

En mi opinión la última década no ha sido muy buena para la música rock, y la música que hizo Skunk Anansie hace 15 años se ha revalorizado e incluso ha ganado fans a pesar de que estábais disueltos, ¿lo ves de la misma manera?
Si, creo que si. Especialmente ahora que hemos estado fuera 10 años y hemos vuelto nos hemos dado cuenta de que mucha gente quería que volviesemos, hubo una gran campaña en facebook para que nos juntásemos. Internet y los fans se juntaron para pedirnos que volviésemos con millones de firmas. En internet seguíamos estando vivos.

¿Habéis cambiado mucho en estos años?
Claro, por supuesto, todo cambia. Seguimos siendo Skunk Anansie, los mismos que hicimos los discos Paranoid and Sunburnt o Stoosh, pero no queremos repetir siempre el mismo disco. Mira Rage Against The Machine, una de mis bandas favorita pero que siempre hace lo mismo, siempre el mismo truco, no hay evolución. Tienen grandes canciones en cada disco pero no se mueven en ninguna dirección. Es por eso que nosotros sí que cambiamos.

¿Qué estuviste haciendo mientras Skunk Anansie estaban disueltos?
Pues produje a varias bandas en el estudio y también trabajé con Gary Moore y con Darrin Mooney, el batería de Primal Scream, en el proyecto Scars. Gary era brillante, un gran amigo, a veces podía ser duro trabajar con él, pero era una persona especial y siempre fue muy bueno conmigo. Ahora es duro, es terrible, conozco a toda su familia, su novia, su hijo, su hija… y el día que llego a España para empezar esta gira Gary muere en España [Gary Moore falleció 3 días antes de realizarse esta entrevista].

Hablemos del nuevo disco, Wonderlustre, ¿había canciones compuestas anteriormente o son todas nuevas?
Empezamos a componer para [las canciones nuevas del recopilatorio] Smashes and Trashes, y sacamos 11 o 12, nos resultó fácil, así que empezamos a escribir para Wonderlustre en enero del año pasado, unas 40 o 50 canciones, todas con ideas nuevas. Sólo hay una canción, ‘Talk Too Much‘, con ideas previas, el resto es todo nuevo.

Entonces hicísteis muchos descartes…
Sólo hemos usado lo mejor. Para componer nos sentamos todos juntos en la misma habitación y empezamos a compartir las ideas. Cada semana escuchábamos lo que habíamos escrito y todos decidíamos. Así pasamos de 50 a 24 y luego a 14. Los descartes no los usaremos para singles ni para nada.

¿Estáis satisfechos con el resultado del disco?
Es nuestro primer disco tras la vuelta y no queríamos demasiada producción, queríamos hacer algo simple, honesto… volver a lo básico.

¿Cuál es tu tema favorito del disco para escuchar y para tocar?
Buena pregunta, porque cambia según el día, para el directo las canciones movidas, como ‘My Ugly Boy‘ y para escuchar una lenta, ‘You Saved Me‘.

¿Cómo están siendo las ventas del disco?
¡Bah!, ahora las ventas son una mierda, la gente se lo descarga gratis. Lo dije desde el principio, es una vergüenza que los músicos no sean pagados por la musica que se descarga, antes de que internet fuera una realidad eran los tipos gordos y bastardos de las compañías de discos los que jodían a los músicos, y ahora esto, los músicos siempre somos los que acabamos jodidos. Nosotros por lo menos hemos conseguido cubrir los costes del disco a los 6 meses de su lanzamiento, y eso está bien.

Antes me hablabas de internet, tenéis mucha presencia en las redes sociales…
Necesitas que la gente escuche tu música y para ello hay que comunicarse de muchas formas, ahora necesitas una web, una cuenta twitter, facebook… hoy en día ya no puedes enfocar todo a la televisión, hay demasiados canales.

¿Habéis notado el cambio de la industria discográfica en estos 10 años?
Realmente no hemos notado cambios porque aunque no hayamos estado como Skunk Anansie hemos seguido involucrados en el negocio. Ahora está todo centrado en la música en directo. De todas formas no me metí en la música para ser rico, si fuera así hubiera hecho otros negocios.

Otro cambio ha sido la presencia de mujeres al frente de bandas de rock…
Es cada vez más sano. Antes era complicado que una mujer triunfase, mira a Jessie J, hace 10 años no hubiera salido adelante, pero ahora está teniendo mucho éxito, es inteligente, sincera, abierta… El rock siempre ha sido una escena dominada por hombres y siempre ha sido complicado triunfar con una mujer al frente.

Hace poco Lemmy Kilmister hizo unas declaraciones dónde se alegraba de la vuelta de Skunk Anansie y dice que sois su grupo preferido…
Así es Lemmy, no sigue las modas. Nos vino a ver en Londres en noviembre, Lemmy siempre fue fan, en nuestra gira por Estados Unidos venía en nuestro autobús cada noche y nos cantaba sus nuevas canciones, es muy honesto y siempre le hemos apreciado.

En esta gira os acompañan The Virginmarys, ¿elegís vosotros a vuestros teloneros?
Claro, siempre lo hemos decidido nosotros. Muchas bandas han empezado con nosotros, Muse, Stereophonics, Feeder… la más grande creo que es Muse, y si te fijas siempre son tríos, desde The Jimi Hendrix Experience siempre me han gustado los tríos, toda banda es básicamente un trío.